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Brujas, muertos vivientes, Frankesteins y todo tipo de monstruos se pasean por las calles el día 31 de octubre. El día de todos los Santos que precede al de los difuntos se celebra el día de la fiesta de lo sobrenatural. Antes era un día para guardar respeto. Ahora es el día en que los niños recogen caramelos, los jóvenes bailan con macabras mascaras y los más mayores recuerdan a los que ya no están sin hacer caso de la fiesta importada de Estados Unidos. Halloween y casi todas sus costumbres se han ido instaurando en nuestro país poco a poco aunque en muchos casos desconocemos que relación guarda la fiesta con las calabazas, porque las brujas juegan un papel especial en esta fiesta o porque los niños piden caramelos diciendo “treack or treat” (truco o trato)…. De dónde viene Halloween y cuál es su significado es lo que intentaremos desentrañar en las próximas líneas.
Para nuestros mayores el día de todos los Santos consiste en arreglar las tumbas y visitar los cementerios para rendir homenaje a todos los que se encuentran allí, especialmente a los que fueron miembros de su familia o a sus conocidos. En otras culturas el día 31 de octubre es un día festivo residuo de una fiesta pagana que tiene sus orígenes en la celebración celta de Samhain en esa misma fecha. Los celtas celebraban el fin del verano y el inicio de la estación en la que los campos estaban sin vida. Samahain era conocido como el día entre años y se consideraba que el tiempo no pasaba, por ello en este caos los muertos podían volver al mundo de los vivos. Para que los muertos estuvieran contentos los vivos les ofrecían dulces y frutas, costumbre que ha derivado en el “susto o trato”. Hay diferentes explicaciones y teorías sobre los rituales que se llevaban a cabo pero casi siempre relacionándolos con el fuego y los sacrificios o los rituales considerados paganos.
Al conquistar las Islas británicas los romanos adquirieron parte de estas celebraciones de los celtas e incorporaron esta fiesta a su calendario. Cuando la Iglesia romana intentó erradicar las creencias paganas, el Samahain y sus posteriores asimilaciones romanas fueron encubiertas con la imposición de la fiesta de todos los Santos. Se cambia entonces el nombre y comienza a llamarse “All Hallow´s Eve” o noche de Todas las Almas que finalmente acabaría derivando en Halloween. Además de suprimir la celebración, la Iglesia realizó un intento de educación cultural e instaron a que se rezara por aquellos que ya no estaban y que se dieran bizcochos a los pobres de las ciudades en vez de ofrendas a los muertos y a los dioses. Con el paso de los años la inmigración y el movimiento entre los pueblos traerán que las diferentes tradiciones de cada país se mezclaran y se empezara a temer a diferentes representaciones fantasmales, a brujas o a monstruos.
En Estados Unidos la celebración de Halloween comenzó a desviarse a una noche de celebración y fiesta dejando de un lado los rituales y lo macabro. A partir del S. XIX cuando comenzaron a celebrarse los Juegos de Otoño se realizaban juegos, se hacían desfiles de disfraces o se contaban historias de miedo. Y la noche del 31 de octubre comienza a convertirse en una celebración. Tras esto Halloween comenzó a extenderse a las decoraciones, a las recetas y a todo tipo de objetos. Ya en el S. XX Halloween se institucionaliza como una fiesta dedicada a los niños completamente en la que estos disfrutan disfrazándose y pidiendo caramelos por las casas.
En España la fiesta al principio tan solo era conocida por los programas de televisión o las noticias que llegaban en Estados Unidos desde los informativos. Aquí la tradición era mucho más rigurosa y cargada de un sentido. Ahora la creciente influencia norteamericana se ha visto reflejada en que hemos adoptado su fiesta con animo, cada vez podemos ver más tiendas, más lugares de ocio y más personas celebrando Halloween al estilo americano. En parte esto se debe a la gran cantidad de franquicias estadounidenses que se afincan en nuestras fronteras y que siguen manteniendo el calendario y las celebraciones de su país de origen.
Al acoger la celebración hemos también adoptado los diferentes símbolos de la misma. Entre ellos el más importante es la calabaza cuyo color es uno de los más típicos de la fiesta. La calabaza conocida con el nombre de Jack O´Lantern suele ir iluminada por dentro y con una mueca maliciosa en su rostro. La calabaza es uno de los símbolos de Halloween porque se recolecta en octubre así que los americanos comenzaron a asociarla a la fiesta. En otras culturas como la irlandesa las cabezas iluminadas se realizaban con cualquier fruta o verdura que pudiera ser tallada y en la que se pudiera colocar una vela. Su función es la de alejar espíritus y fantasmas que vagan esa noche por la tierra.
Otras de las grandes representaciones de la fiesta son las brujas con sus gatos negros. Las brujas herederas de la magia y los rituales celtas se mantienen como protagonistas de esta fiesta por ello podemos verlas en decoraciones o como disfraz estrella de la fiesta. Por supuesto no pueden faltar los fantasmas que para los celtas representaban las almas de aquellos que vagaban por el mundo de los vivos, generalmente suelen ser fantasmas representados con sabanas, semitransparentes y vagando sin rumbo fijo. A partir del siglo XX elementos como esqueletos, murciélagos, vampiros y lápidas se sumaron al inventario de elementos para asustar.
Lo que esta claro es que la actualidad Halloween se separa de los rituales y del respeto a los que ya no están con nosotros. La fiesta se ha convertido en algo comercial en algo para disfrutar, pocos somos lo que todavía vamos a arreglar las tumbas de los seres queridos que nos han dejado y cada vez son más los niños que con bolsas nos piden caramelos al grito de Truco a Trato. Cada vez más nos dejamos llevar por el espíritu consumista norteamericano y decoramos con calabazas y esqueletos. Cada vez nos dejamos llevar más por la celebración sin que nos importe que por una noche acabemos bailando disfrazados con otros muertos.
Continue Reading Un tesoro es un conjunto de monedas y objetos preciosos, según indica la Real Academia, pero no siempre los cofres tienen que ser de madera ni su contenido debe ser metal. Un ejemplo de ello es la cápsula del tiempo que se ha encontrado bajo la estatua de Cervantes frente al Congreso de los Diputados de Madrid.
La caja de plomo fue escondida el 11 de diciembre de 1834 con el objetivo de preservar en el tiempo lo que los madrileños del siglo XIX consideraban su tesoro. Ha tenido que pasar más de un siglo y medio para que los secretos escondidos bajo Cervantes salieran a la luz. Cuatro tomos del Quijote, un libro sobre la vida de Cervantes, un Diario de Avisos de Madrid y un Estatuto Real para las Cortes del Reino de 1934 eran las joyas que los madrileños guardaron hace 175 años. Todos los objetos estaban rociados con insecticida, se supone que para evitar que los insectos carcomieran el papel.¿Por qué los ciudadanos habían elegido estos presentes para el futuro? Para intentar dar una explicación hay que remontarse a los acontecimientos que rodearon España en 1834. Fernando VII, monarca absolutista perteneciente a la familia Borbón y quién encargó la elaboración de la estatua de Cervantes, había fallecido en 1833. Al no tener descendiente barón, su título pasó a manos de su hija Isabel II con apenas 3 años de edad. Sin embargo, no todos en España estaban de acuerdo con que una mujer accediera al trono, el infante Don Carlos, hermano de Fernando VII defendía su derecho de obtener la corona. Por ello, se inició una guerra civil entre los Isabelinos, que apoyaban a la hija del rey, y los Carlistas, defensores del infante Don Carlos.
A causa de su corta edad, Isabel no podía gobernar, el reino estaba en manos de Maria Cristina, esposa del monarca fallecido, que para poder enfrentarse a los Carlistas tuvo que unirse a los liberales de la época que pedían reformas para que el poder de la monarquía estuviera más limitado y que se restaurara la Constitución de 1812.
Todas estas entramadas políticas, en dónde se unen varias vertientes del pensamiento, eran el día a día de los madrileños del 1800 y quisieron que esa realidad traspasara en el tiempo y llegara a nuestros días. Por ello, la cápsula no contiene grandes joyas o enormes cantidades de dinero, sino que aguarda un contenido más literario e intelectual.
Para conocer en mayor medida las complicadas relaciones políticas que existieron en los años en los que gobernó Maria Cristina como Regente del Reino y posteriormente Isabel II, la Real Casa de Correos en Sol ofrece una exposición que muestra los objetos hallados en la urna de plomo, además de explicar detalladamente los principales personajes y los grandes acontecimientos del Madrid del XIX. La muestra ha sido prorrogada hasta el 30 de septiembre, esta es la última oportunidad para aquellos que quieran profundizar en los secretos que guardaba Cervantes.
Fuente fotografía: annalesgeoehistoria.files.wordpress.com
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María Sirvent ha presentado su primera novela que lleva como título Si supieras que nunca he estado en Londres, volverías de Tokio. En su libro cuenta la historia de Ágata Ponce y cómo escribe miles de e-mails a su ex-novio pero nunca se atreve a enviarlos. La autora dice que “el lector tiene que hacerse responsable de sus sentimientos y de sus odios; esta novela necesita un lector activo y dispuesto a explorarse y, en algunos casos, a dolerse”.
Para la escritora, Ágata continúa escribiendo a Jochi no por amor, ni por nostalgia de tiempos mejores, sino para descubrir "el porqué" sigue sintiendo la necesidad de escribirle. En esos e-mails desesperados, la protagonista se inventa viajes apasionados para evitar la realidad.
Esta obra tardó dos años y medio en escribirse ya que Sirvent dejó el proyecto varias veces por los continuos "dolores de cabeza" que
le provocaba la protagonista. Pero esta obra también cuenta con una gran carga autobiográfica: “He vivido en muchos sitios y solía pensar que todo podía ir mejor en otro lado, pero ya no pienso así. La protagonista de la novela piensa que va a ser feliz si las cosas cambian, pero la que tiene que cambiar es ella”.Pero la novela puede tener diferentes puntos de vista y cada lector puede entender a la protagonista de una manera distinta. “No hay dos lectores que experimenten a Ágata de la misma manera. La identificación y el odio y todos los sentimientos que despierta la protagonista son frutos del estado mental del lector”.
Una obra con un grito de ayuda que espera ser escuchado, “creo que Jochi hubiera vuelto para ayudarla”, sentenció María Sirvent.
Los colmillos están de moda. Películas, series de televisión atestan a jóvenes (y mayores) con argumentos amorosos. Pero estos fenómenos nacieron de mentes literarias. Crepúsculo, crónicas vampíricas… las librerías se están llenando de seres nocturnos, inmortales que desean sangre. Pero los vampiros no siempre han sido jóvenes adolescentes, enamoradizos y pastelosos.
El principio de todo fue una novela escrita en 1819 por Polidori llamada The Vampyre; fue la primera vez que un vampiro aparecía en un libro. Pero sin duda alguna la obra maestra de despegó esta figura fue Drácula de Bram Stoker, publicada en 1897. Esta novela ha dado pie a numerosas adaptaciones en cine, teatro y hasta cómics. Hay autores que afirman que Stoker se reunió con un erudito húngaro que le contaba historias del verdadero Drácula. El personaje de esta obra fue inspirado en un personaje real e histórico llamado Vlad III Draculea, un príncipe rumano. Con esta publicación, la figura del vampiro se convierte en un elemento importante de la literatura de terror.Con el cambio de siglo se siguen escribiendo este tipo de historietas que tanto gustan a la gente. En 1975 sale a la venta El misterio de Salem’s Lot de Stephen King, un autor de referencia en la literatura de terror. En esta obra se muestra unos paralelismos con Drácula, añadiendo una lúgubre mansión. Desde 1975 y 2003 se publican una serie de relatos cortos escritos por Anne Rice que llevan el título de Las crónicas Vampíricas, con novelas tan conocidas como Entrevista con el Vampiro o La Reina de los Condenados. En todas sus historias el protagonista es el vampiro Lestat de Lioncourt.
Ya en el siglo XXI, la novela vampírica comienza a añadir nuevos elementos. Se incluye la comedia y parodia, por ejemplo en la saga de Sookie Stackhouse de Charlaine Harris, que actualmente se ha adaptado en una serie de televisión con el nombre de True Blood. En estos libros se cuenta la historia en primera persona de Sookie, una camarera que utiliza la telepatía y se enamora de un vampiro en una sociedad donde se intenta poner paz entre la convivencia de seres humanos y los no muertos.
Pero lo que de verdad está inundando las librerías son novelas juveniles de vampiros. Casi nadie del planeta es ajeno al fenómeno Crepúsculo. Esta saga de cuatro libros (Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse y Amanecer) fue escrita por Stephenie Meyer. En los libros se cuenta la historia de la adolescente Bella Swan, que se acaba de mudar a Forks y se enamora de Edward Cullen, un vampiro. Se forma un trío amoroso con la aparición de Jacob, un amigo de la infancia de Bella que en realidad es un hombre lobo. Además de esto libros, Meyer estaba escribiendo Sol de Medianoche, que es la misma historia de Crepúsculo narrada desde la perspectiva de Edward. Pero esta obra se ha paralizado ya que se filtró en internet los primeros 12 capítulos. En abril se publicó otro libro: La segunda vida de Bree Tanner. En él se narra la vida de los vampiros desde el lado más oscuro a través de la vampiresa Bree (que aparece brevemente en Eclipse). Con el estreno de las dos primeras películas en cine, el fenómeno Crepúsculo ha hecho que se disparen las ventas de estos libros gracias a enfebrecidas adolescentes y no tan jóvenes fans.
Pero esta no es la única saga de vampiros juveniles. Darren Shan ha escrito una serie de 12 libros juveniles sobre las aventuras de un niño que habita en un mundo de vampiros. Otra autora encerrada en sus novelas juveniles es Claudia Gray que ha creado otro mundo con sus libros: Medianoche, Adicción y Despedida (a la venta a partir del 21 de mayo). En sus libros cuenta las aventuras y desventuras de Bianca, un adolescente vampiro, se enamora de Lucas, un joven que se dedica a cazar vampiros. Lisa Jane Smith también se ha hecho famosa gracias a la adaptación de su saga en una serie. The Vampire Diares (Crónicas vampíricas) son una serie de 7 libros contando la historia de Elena, una joven enamorada de dos vampiros que son hermanos, uno bueno (Stefan) y otro malo (Damon).
La literatura convencional no es la única que ha sido mordida por estos chupasangre, los comics también han incluido ha estos seres en sus historias. Dance in the vampire bund, Trinity Blood o Vampire Hunter D son algunos de los títulos con vampiros de serie. Pero hay dos obras que sobresalen sobre el resto. La primera es Hellsing, un manga escrito e ilustrado por Kōta Hirano. La historia se centra en la Orden de Caballeros Protestantes Reales que son los últimos miembros descendientes de Abraham Van Helsing y deben proteger a la reina y las fronteras de su país. La otra obra es la de Vampire Knight (el caballero vampiro) escrita por Matsuri Hino. En ella se narra la vida de Yuki, una joven que perdió a sus padres tras ser atacados por un vampiro y que fue salvada por otro: Kuran Kaname. Tras ser rescatada es llevada a un colegio donde hay dos turnos: uno diurno para todos los alumnos y otro nocturno para mantener ocultos a los adolescentes vampiros.Hay donde elegir, quien diga que no conoce nada sobre los vampiros ya puede ir poniéndose al día pero o se va a los clásico o acaba con dolor de cabeza. Es inevitable leer algo de Crepúsculo sin tener en la cabeza miles de adolescentes gritando desesperadas. La historia ha cambiado mucho: mientras antes existía un Drácula malvado y sanguinario, ahora sus descendientes son unos jóvenes atractivos paliduchos (aunque algunos brillan como un Gusiluz) que pierden la cabeza por una simple mortal… aunque a lo mejor las chicas no salimos perdiendo tanto con el cambio.
Este año se celebra la cuarta edición del festival de publicidad social de la Universidad Rey Juan Carlos: Solidaridar. Su director es Isidoro Arroyo, que es además profesor de publicidad de esta universidad.
Pregunta: ¿En que consiste esta jornada?
Respuesta: Es una jornada universitaria dirigida a los estudiantes de la Universidad Rey Juan Carlos, de todos los campus y de todas las facultades, que se centra en el estudio, en el análisis del fenómeno de la publicidad social. Es una forma o una especialización de comunicación persuasiva dirigida al tercer sector, a ONGs y a instituciones que comunican y que necesitan comunicar… y lo hacen muchas veces utilizando la publicidad.
En este caso lo que hacemos es básicamente es conectar las necesidades sociales de este tercer sector y de las ONGs con la necesidad que tienen los estudiantes de hacer prácticas, para desarrollar campañas publicitarias, y fruto de esta unión surgen estas jornadas, que llevan dentro un festival.
P: ¿Cuáles son los objetivos de esta cuarta edición del festival Solidaridar?
R: En anteriores ediciones de aspectos distintos de la comunicación, y de la comunicación persuasiva. Este año en concreto nosqueremos ocupar de un fenómeno muy relevante , que es el de las redes sociales, que en este momento son un elemento central de la comunicación y que están presentes en todos los conflictos sociales que se producen en nuestro país, y ese es el tema central, es decir, cómo las organizaciones no gubernamentales y en general el tercer sector puede utilizar estas redes sociales que se utilizan con otros fines de intercambio de amigos, de relaciones sociales, etc; pero también para comunicar los problemas sociales de la sociedad.
P: Aparte de los alumnos, ¿Quiénes participan en estas jornadas?
R: Por una parte contamos con organizaciones no gubernamentales que ya están desarrollando esos proyectos de comunicación en las redes, y por otra parte con las agencias de comunicación que están desarrollando para las organizaciones no gubernamentales o para otros proyectos de comunicaciones en las redes sociales, y finalmente con los propios responsables de las redes sociales para que nos cuentes sus experiencias y en qué medida pueden ser eficaces para la comunicación, ya que es el objeto de estudio de esta edición.
P: Para el tercer sector resulta fundamental, no solo hacer las cosas, sino también comunicarlas y las redes sociales es un fenómeno que puede serviles de gran ayuda.
R: Efectivamente, ese es el tema. La cuestión es que comunicar también es hacer, es decir, en la medida en que ellos comunican, pues también despiertan cierta inquietud hacia los temas sociales de los que se ocupan y sensibilizan a los públicos. Eso no es posible si no se produce una comunicación eficiente, y para ello están los medios sociales, y dentro de los medios sociales sin duda las redes sociales que en este momento son un medio en expansión y es un medio que está siendo muy utilizado por los públicos, y por los públicos juveniles fundamentalmente.
P: En estas jornadas se van a presenciar treinta spots hechos por ciento cincuenta estudiantes de la Universidad Rey Juan Carlos.
R: Alguno más (risas). Este año ha sido el de mayor participación de ONGs y de estudiantes. Bueno los estudiantes están ahí, quiero decir que participan porque forma parte de unas prácticas de la asignatura de creatividad publicitaria que imparto yo. Lo que si es verdad es que muchas más organizaciones no gubernamentales se han acercado al proyecto. Este año concretamente son treinta y siete.
P: ¿Cómo se elige el mejor spot? En años anteriores corrió a cargo de un jurado internacional.
R: Afortunadamente seguimos manteniendo ese jurado internacional. Este año tenemos invitados a profesores de la universidad de Bournemouth, del Reino Unido; y a profesores de la universidad nacional de Córdoba, de Argentina, que podemos contar con ellos gracias a las ayudas de la agencia española de Cooperación. Además contamos con tres personalidades muy importantes en el mundo de la publicidad, concretamente con Don Carlos Rubio, que es el director general de la asociación española de agencias de comunicación publicitaria; con Don Ángel del Pino, que es el presidente nada menos que de la federación nacional de empresas de publicidad y con Don Daniel Campo, que es el director general de la revista profesional Publicista.
P: Bueno para los alumnos supongo que, además de una práctica para la asignatura que imparte, será también un incentivo ¿no es así?
R: Si, si que lo es. En primer lugar lo es porque trabajan con un tema social que generalmente eligen ellos que además es con el cual se identifican, aunque en el mundo profesional se encontrarán con trabajos que no les sea tan agradables como pueda ser éste. En segundo lugar porque estas prácticas son una parte de la asignatura y del curriculum. Y en tercer lugar porque tenemos hasta cinco premios: tres grandes premios y dos reconocimientos. Los alumnos salen de la universidad con algo que les permite enfrentarse al mundo laboral ya habiendo hecho algo práctico y que tiene un curriculum certificado por gente del mundo profesional, con lo cual hay una cierta conexión entre la universidad y el mundo de la profesión.
P: ¿Puede la publicidad cumplir también una función social importante?
R: La publicidad siempre cumple una función social, pero encima esa función social puede ser de defensa de las causas sociales y este yo creo que es el aspecto que realmente mas nos interesa destacar en este momento; es decir, considerar que la publicidad no deja de ser un medio para comunicar, y que es un medio persuasivo. Comunicamos persuasivamente en todas las facetas de la vida, y a través de los medios de comunicación es un aspecto más que sirve también para comunicar y para difundir las causas sociales.
En los IV Diálogos del Señor Boliche del próximo 21 de mayo en Valladolid se presentarán los libros: "La novela gráfica", de Santiago García, y de "El arte de volar", galardonado con el Premio Nacional de Cómic de Cataluña 2010, del dibujante Kim (colaborador de la revista satírica El Jueves, "Martínez El Facha") y el guionista Antonio Altarriba. En este acto además se hablará de la actualidad de la novela gráfica, su vigencia y su existencia.
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Tal día como hoy en 1929 nació en Bélgica una actriz de esas que dejan huella: Audrey Hepburn. Perteneció a una familia acomodada, aunque durante su juventud debió enfrentarse a numerosas dificultades. Sus padres se separaron y sufrió las consecuencias de la Seguna Guerra Mundial. De hecho, Hepburn quería ser bailarina y estudió para ello, pero el conflicto le obligó a elegir una profesión distinta. Su ascendencia inglesa era peligrosa en la Bélgica y la Holanda de entonces. Por este motivo aprendió a dominar el holandés, además de conocer a la perfección el inglés, el francés y el italiano. 
Su primera aparición en el mundo del cine fue como recepcionista de un hotel en el film inglés One Wild Oat. Además, trabajó en Broadway en el musical Gigi que protagonizó, un espectáculo que se transformó en un largometraje posteriormente. Sin duda, la actriz participó en numerosas películas a lo largo de su extensa carrera, pero el primer papel que le otorgó un reconocimiento por parte del público y de la crítica fue el de la princesa de Vacaciones en Roma.
En este film compartía protagonismo con un guapo Gregory Peck quien interpretaba a un periodista en busca la noticia del año y que sucumbe por amor. La película fue nominada a diez Oscar y entre los tres que acabó recibiendo, se encontraba el de mejor actriz para una jovencita Audrey Hepburn en 1953.
Esta ocasión no fue la única en la que actuó bajo la dirección de William Wyler. Años más tarde, protagonizó La calumnia y Cómo robar un millón y... con este mismo director. Asimismo, trabajó con otros grandes como Billy Wilder con quien realizó Ariane o la original e inigualable Sabrina, donde compartió escena con Humphrey Bogart y William Holden. Audrey interpretaba a una joven con muchas posibilidades en la vida por su talento, pero enamorada del hombre equivocado, algo que tras leer su biografía guardaba bastante relación con la realidad. Se casó tres veces y ningún hombre supo quererla. Sólo el último, con el que no llegó a contraer matrimonio, aunque estaban muy unidos y de un modo especial.
Regresando a su vida profesional, hay que señalar algunas películas que convirtieron a la actriz en una leyenda como la que es hoy en día. Encuentro en París de nuevo junto a William Holden, Charada junto al eternamente atractivo Cary Grant, Historia de una monja, My fair lady, la aclamada Guerra y paz junto a Henry Fonda o Una cara con ángel, donde demostró sus dotes de bailarina y creó moda con su atuendo negro y calcetines blancos... pero sin duda, si hay un film que ha sido responsable de ese fanatismo actual por la actriz es Desayuno con diamantes.
En esta película intepreta a una chica de la alta sociedad neoyorkina, Holly Gonlightly. Está algo alocada, tiene muchas manías, le gusta desayunar frente a Tiffanys, una lujosa joyería de Nueva York. Entre fiestas y encuentros con caballeros, no tiene casi tiempo de pensar en el amor o en sí misma. Su estilo y su elegancia traspasaron la sala del cine. Actualmente, esta estética forma parte de nuestra vida cotidiana y su imagen aparece en multitud de complementos. El icono supera a la propia actriz.
El caso es similar al de Marylin Monroe, aunque con connotaciones distintas. Audrey Hepburn consiguió, no sólo sobrevivir, sino triunfar en una época en la que las curvas en las mujeres eran incuestionables. Sin embargo, a pesar de su extrema delgadez supo como nadie convertirse en un referente de belleza. Además, no sólo tiene una extensa carrera profesional, una vida llena de altibajos amorosos y una de las caras más perfectas que han existido, sino un gran corazón.
Durante los últimos años de su vida se dedicó a causas como el sida o la malnutrición de los niños en el mundo. Así, desde 1989 Audrey colaboró con UNICEF activamente y fue nombrada embajadora de buena voluntad. De hecho, tres meses antes de morir realizó un viaje a Somalia bajo esta labor. Murió de un cáncer a los 63 años de edad. Desde aquel día en el cielo brilla una estrella muy especial que nunca se apagará. Icono, belleza, inteligencia, buena voluntad... como decía al principio, mucho más que una "cara con ángel".
Fuentes de las imágenes:
sofemenini.co.uk
blog 24 veces por segundo
keepablogalive.blogspot.com
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Las “Noches del Prado” es la nueva actividad que ofrece el museo madrileño. El objetivo de la pinacoteca es dar a conocer la ampliación de la colección dedicada a la pintura española del Románico al Renacimiento.
El Museo del Prado ofrece durante siete únicas noches un recorrido nocturno por las nuevas salas que exhiben obras españolas. Las visitas son del 7 al 29 de mayo, los viernes, sábado y domingos en horario de 20:30 a 22:30 horas. Los grupos son reducidos y estarán acompañados por un educador del Área de Educación del museo.
En este exclusivo recorrido los visitantes disfrutarán de las principales corrientes artísticas que se desarrollaron en España durante los siglos XII y XVI. Los frescos románicos de Santa Cruz de Maderuelo o las tablas del manierismo espiritual de Luis de Morales son algunas de las piezas que se podrán observar en esta muestra nocturna.
Como novedad dentro de la exposición, los especialistas del museo explicarán a los visitantes como se restauraron algunas de las piezas más antiguas de la muestra, como la tracería gótica del Santo Domingo de Silos de Bermejo. La entrada solo se vende por anticipado vía Internet o llamando al teléfono que aparece en la página oficial de las “Noches del Prado”.
Imagen nocturna de la fachada de el Museo del Prado. Fuente: Blogia.com
La nueva Ley General Audiovisual que acaba de entrar en vigor establece las nuevas normas de actuación que debe seguir el sector. El texto pretende conseguir un mayor control sobre los contenidos que pudieran resultar perjudiciales para los menores.
Además, se establecen tres franjas horarias de especial protección para el menor: de 8:00 a 9:00 y de 17:00 a 20:00 horas de lunes a vienes; y de 9:00 a 12:00 los fines de semana y festivos.
Durante este horario, las cadenas de televisión no podrán emitir ningún contenido que contenga escenas de violencia gratuita o pornografía, que solo podrán emitirse en horario nocturno, desde las 22:00 hasta las 6:00 horas.
La Ley regula además el horario de los espacios de juegos de azar, que deberán emitirse de 1:00 a 5:00 de la mañana (a excepción de Loterias y Apuestas del Estado); así como los relacionados con el esoterismo, cuyo horario de emisión será de 22:00 a 7:00 horas.
Dicho contenido ha de ser avisado mediante una señal acústica y visual que advierta de dichos material. Igualmente, los televisores deberán contar con un sistema de control parental.
Otro aspecto tratado es el de la publicidad. La Ley limita a un máximo de 20 minutos por cada hora entre anuncios convencionales, y autopromoción. Y establece la prohibición de emitir anuncios con contenidos que promuevan el culto al cuerpo, como productos adelgazantes; y de bebidas alcohólicas en horario protegido.
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Además, se establecen tres franjas horarias de especial protección para el menor: de 8:00 a 9:00 y de 17:00 a 20:00 horas de lunes a vienes; y de 9:00 a 12:00 los fines de semana y festivos.
Durante este horario, las cadenas de televisión no podrán emitir ningún contenido que contenga escenas de violencia gratuita o pornografía, que solo podrán emitirse en horario nocturno, desde las 22:00 hasta las 6:00 horas.
La Ley regula además el horario de los espacios de juegos de azar, que deberán emitirse de 1:00 a 5:00 de la mañana (a excepción de Loterias y Apuestas del Estado); así como los relacionados con el esoterismo, cuyo horario de emisión será de 22:00 a 7:00 horas.
Dicho contenido ha de ser avisado mediante una señal acústica y visual que advierta de dichos material. Igualmente, los televisores deberán contar con un sistema de control parental.
Otro aspecto tratado es el de la publicidad. La Ley limita a un máximo de 20 minutos por cada hora entre anuncios convencionales, y autopromoción. Y establece la prohibición de emitir anuncios con contenidos que promuevan el culto al cuerpo, como productos adelgazantes; y de bebidas alcohólicas en horario protegido.
Si hablamos de cine oscuro, gótico y lleno de fantasía no podemos referirnos más que a un director: Tim Burton. Este californiano de 51 años consigue film tras film conectar con un público fiel que ve sus películas más por el sello Burton, que por el contenido. Un claro ejemplo es su última apuesta, Alicia en el país de las maravillas. Debió esperar para estrenarse para evitar que Avatar le hiciera sombra... finalmente ha conseguido en su primer fin de semana una recaudación mayor que la de Cameron.
En este sentido, Burton ha conseguido a lo largo de los años congregar batallones de fanáticos. Desde su primer pinito en el cine en 1982 ha ido depurando un estilo en el que nadie le hace sombra. Su primer trabajo fue un cortometraje, Vicent, que hoy en día sigue despertando la curiosidad y la fascinación de todo el que lo ve. Con 5 minutos y 49 segundos Burton nos adentra en el mundo de un niño especial... De hecho, el director había escrito tiempo atrás este texto concebido como un microrrelato infantil, que fue hecho en blanco y negro bajo la influencia de, entre otras cuestiones, las cintas de Vincent Price y las adaptaciones de Edgar Alan Poe. Fue el propio Price quien lo narró en la versión original
Este cortometraje recibió grandes críticas y fue premiado en varias ocasiones. Fue, sin duda, el inicio de una prometedora carrera en el cine. Tim Burton consiguió triunfar con su versión de Batman. Realizó dos largometrajes, Batman en 1989 y Batman Vuelve en 1992. Con actores de la talla de Michael Keaton, Jack Nicholson o Michelle Pfeiffer, el californiano ha conseguido que ambas sean una película de culto y distinta a otras versiones de Batman. Sin embargo, durante el rodaje los altercados con los productores y la elección de los actores que encarnarían los distintos papeles le costaron muchas críticas. Eso sí, cuando se estrenaron, fueron un éxito rotundo de taquilla.
Lo cierto es que este director tiene un estilo personal, y con el tiempo ha convertido en oro todo lo que toca. Sus películas se caracterizan por unos personajes exagerados, o muy altos, o muy bajitos, muy delgados, muy gordos... todo ello bajo una gama de colores oscuros: negros, grises, verdes, rojos... y en numerosas ocasiones sus films están ambientados en fechas navideñas. Cabe señalar que la mayor parte de los personajes masculinos de sus cintas se llaman Eduardo, Vicent o Víctor. Además, tienden a ser pálidos, tímidos y con el pelo alborotado, quizás asemejándose al propio director, quien tiene, al igual que sus películas, un estilo muy personal.
Si se habla de Tim Burton es imposible no hablar de Johnny Depp. A ambos les une una gran amistad que se ha materializado en un sinfín de películas con unos resultados maravillosos. La primera vez que trabajaron juntos fue en Eduardo Manostijeras. Un joven Depp interpretaba aquí a este muchacho creado por un inventor extravagante (Vincent Price) que no pudo acabar su obra... Las críticas y el público colocaron a esta película entre las mejores que ha hecho nunca el director.
Desde esta primera película, Johnny Depp y Tim Burton han trabajado juntos en innumerables ocasiones: Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Sweeney Todd y la última, Alicia en el país de las maravillas, donde Depp interpreta al sombrerero loco. La buena química entre ambos se debe a la versatilidad del actor y la capacidad del director para sacar lo mejor de Johnny Depp. Sin duda, una pareja que no se puede disolver.
Otra de las facetas por las que destaca el director es por la de la animación. Se hacía referencia al comienzo del reportaje a su primer corto, Vicent. Tras él han llegado varias películas que han abierto a públicos más jóvenes sus creaciones como La novia cadáver o la serie de televisión El chico mancha. Además, el director Henry Selick se ha inspirado en sus dibujos para llevar a cabo proyectos como Pesadilla antes de navidad o Los mundos de Coraline.Este director, actor, productor y guionista no deja indiferente a nadie. Así, además de estas creaciones bajo el sello Burton, ha realizado otras numerosas películas con temáticas muy diversas. Apuestas arriesgadas como Mars attacks, El planeta de los simios o Big Fish. Precisamente esta última es una de las más fantasiosas y la vez real, que nunca ha hecho el director. Abandona los colores oscuros para trasladarte a un mundo que sólo estaba en la imaginación de un padre... ¿o no? En este caso fue Ewan McGregor, en un papel magnífico, quien protagonizó una de las películas más aclamadas del director.
Y desde Vincent hasta Alicia, Tim Burton ha sido fiel a su estilo y ha sabido como pocos tratar temas complicados desde el humor, y describir sentimientos desde la animación. Un director inimitable, inigualable... con el que en cada película te sorprendes por poseer una fábrica, no sé si de chocolate, pero sí de fantasía. Continue Reading
El informe "La Cuenta Satélite de la Cultura en España", indica que el sector cultural aporta un 3’1% al PIB de España. Según este documento, presentado por la ministra de Cultura Ángeles González Sinde durante una reunión del Consejo de Ministros, la Radio y la Televisión es el segundo producto cultural que más aporta al PIB con un 18’2%, por detrás de Libros y Prensa con un 40’9%.
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Hace muchos, muchos años, en una ciudad no tan lejana habitaban tres religiones. Cada una tenía a sus seguidores, su cultura. Unos convivían junto a los otros, sin crear guetos ni despreciarse mutuamente. La ciudad de Toledo fue un ejemplo de paz. Un paseo por sus monumentos y su cultura puede ayudar a conocer la píldora de la tolerancia que habitaba en sus calles hace diez siglos atrás.
Vistas de la noche de Toledo. Fuente: El Pintor de Estigia
A 71 kilómetros de Madrid, se alza Toledo, la ciudad de las tres culturas. En un primer momento se puede hablar de Hércules como su fundador, o así lo cuentan las leyendas. Pero años de excavación han dado a los celtiberos el titulo de ser los primeros habitantes de esta región castellano-manchega.
El pueblo romano, bajo las ordenes de Marco Fulvio Nobilior, tomó la ciudad celtibera en 192 a.C y fundo Toletvm. De este periodo de tiempo quedan infraestructuras como el Circo Romano, datado en el siglo I. Con unas dimensiones de 408 X 86,20m podía albergar hasta 13.000 espectadores. Pero en el siglo V los pueblos bárbaros invaden el Imperio Romano, y en el año 569 Toletvm queda bajo las órdenes del rey visigodo Leovigildo. Desde los siglos VI al VIII la antigua ciudad romana se convierte en una gran urbe, siendo sede episcopal y de concilios. De estos años no quedan grandes edificaciones pero si restos arqueológicos en la zona de la Vega Baja, en la zona norte del casco histórico.
La conquista árabe llegó en el 711 y provocó que Toletvm pasara a ser Tulaytulah. Aquí comenzó una primera mezcla entre la cultura cristiana y árabe, aunque con inicios desagradables como la conocida “Jornada del Foso”, en la cual fueron asesinados cerca de 5000 toledanos. El centro de la ciudad se construyó según parámetros árabes: calles estrechas, laberínticas, creando espacios secretos, difíciles de encontrar. El arte islámico prolifero en esta época, muestra de ello es la Mezquita Bib Mardum, de época califal. Fue levantada en el año 999 por el arquitecto Ibn Ali Musa. Conocida actualmente por Cristo de la Luz, su fachada ofrece tres portadas decoradas con distintos arcos: de medio punto, característico del arte romano, poliobulado, propio del arte islámico, y de herradura, usado en el arte mudéjar. Con una planta en forma de cruz griega, lo mas interesante se muestra en su interior con tramos decorados con distintas bóvedas que no se cruzan en el interior, recordando la zona de la maksura, cercado que rodea la zona sagrada del templo, de la Mezquita de Córdoba.
Puerta de los Doce Cantos en Toledo. Fuente: El Pintor de Estigia.
Tulaytulah era una ciudad fortificada, hoy en día quedan restos de la muralla que rodeaba el centro histórico de la ciudad y de las puertas que controlaban el flujo de gente que entraba y salía de Toledo. Una de ellas es la Puerta de Bab- al Mardum, ligada a la mezquita del Cristo de la Luz, también se conoce como puerta de Valmardón. Sus restos más antiguos datan del siglo IX. En sus inicios albergaba una estancia en superior en unas torres de las que hoy no queda ni un ladrillo. Otro de los accesos a la ciudad es la Puerta de Bisagra, de origen musulmán fue reconstruida bajo los reinados de Carlos V y Felipe II. Su nombre proviene de Bab-Sahgra, puerta de la sagra. Su parte exterior está formada por un arco del triunfo decorado por el escudo imperial de la ciudad. La lista continua con la Puerta de Alarcones de estilo mudéjar, la de los Doce Cantos de arquitectura islámica o la Puerta del Sol que aunque pertenece al siglo XIV contiene elementos ajenos a su estilo como partes de un sarcófago paleocristiano o un busto clásico. En total, son ocho grandes entradas arquitectónicas las que permiten el flujo de visitantes al casco antiguo de la ciudad.
Con la subida al trono de Alfonso VI, tras la Reconquista se iniciará un periodo de tolerancia entre el mundo árabe, cristiano y judío. Este será el periodo de mayor esplendor de la historia toledana y surgirán movimientos artísticos gracias a la colaboración entre estas culturas. El arte mudéjar es una de las excepciones del mundo del arte existentes únicamente en el ámbito hispano. Toldoth era como los judíos llamaban a esta ciudad fortificada de Castilla-La Mancha. Dos de las bellas creaciones mudéjar son la sinagoga del Tránsito y la de Santa María la Blanca, que se encuentran en la Judería, la zona de Toldoth donde había una mayor concertación de población hebrea.
La sinagoga del Tránsito es un ejemplo de la unión entre las tres religiones. Se construyó gracias al tesorero real Samuel Leví y al apoyo del rey Pedro I de Castilla. El rey permitió la creación de este templo como agradecimiento por el apoyo que los judíos toledanos habían ofrecido frente a las luchas fratricidas con los Trástamara en el siglo XIV. La parte central del edificio esta formada por la Gran Sala de Oraciones. Este salón está decorado por yeserías islámico-cordobesas, un tipo de decoración propio del mudéjar. El frontón del salón esta formado por un triple arco poliobulado almohade, en donde se guardaban los rollos sagrados. La decoración vegetal se une con motivos geométricos e inscripciones hebreas. La sinagoga se ha convertido en el Museo Sefardí, en donde se muestran elementos de la vida judía en Toldoth y de la cultura sefardí en la península.
En el lado izquierdo aparece el frontón de el Salón de las Oraciones. En el lado derecho se muestran elementos decorativos de el interior de la Sinagoga del Tránsito.Fuente: El pintor de Estigia.
Finalmente la época de esplendor intelectual llegara en el siglo XIII. La Escuela de Traductores fundada por Alfonso X se convirtió en el centro del pensamiento europeo con la transcripción de textos árabes, judíos y helénicos. La escuela se encuentra en el Palacio del rey Pedro I de arquitectura mudéjar que fue construido en el siglo XIV. En este siglo la convivencia pacífica entre las tres culturas irá disminuyendo, la aparición del Tribunal de la Santa Inquisición tendrá gran parte de culpa en ello.
La vida entre las tres culturas permitió el nacimiento de bellos monumentos: palacios, sinagogas, mezquitas, etc. todo ese mundo artístico e intelectual sigue encontrándose tras los rincones de Toletvm, Tulaytulah y Toldoth, las tres estrellas que han dado belleza, misterio e historia al Toledo actual.
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Cuatro ha estrenado un nuevo espacio los viernes dedicado a los reportajes: Reporteros Cuatro REC. Su director es Jon Sistiaga, y sigue la misma línea que 4x4, otro trabajo que puso en pantalla esta cadena, con gran calidad, algo que se agradece pues en una televisión dedicada cada vez más a la telebasura. Se trata de una apuesta que copa el viernes de este género, pues le toma la reválida al ya consagrado Callejeros, pero la temática de este REC es bastante diferenciada. Tal y como ellos mismo dicen: “con voluntad de contar asuntos de interés político o social, mostrando las interioridades de la investigación periodística”. Además, tratarán de tener una interacción mayor con el espectador al solicitarle qué temas quieren que sean objeto de su trabajo.
Uno de los integrantes de REC es David Beriaín, reportero que elaboró uno de los reportajes que más me han impresionado, el de las guerrillas talibán en Afganistán. Y Beriaín es el encargado del primer trabajo: Baby Sicarios. El trabajo nos traslada a Pereira, Colombia, para enseñarnos una realidad que está presente en este país de Sudamérica dañado por la droga y las bandas. Narcotraficantes que usan a los niños como sicarios, más baratos, más manejables, y más eficaces ya que pasan desapercibidos.
En cuanto al tratamiento formal, el reportaje toca bastantes palos, lo cual es bueno, pero quizás le falta algún punto de vista, como el del ciudadano medio o el del político, principalmente para contrastar las formas de ver la realidad. Así pues, tras el contacto con César Vargas, un periodista local, Beriaín acude al Correccional de menores Marceliano Osa, donde habla con varios sicarios condenados y la directora del centro, Marta Inés Medina. Posteriormente, viaja a varios barrios de la ciudad, donde habla con pandilleros, aunque también hablará con algún líder. El secretario de Gobierno Germán Dario Saldarriaga habla sobre la relación del aumento del consumo de droga en el país y la escalada de violencia. La psicóloga aporta un punto de vista social, que contrasta con el de las Fuerzas de Seguridad. Beriaín tiene la ocasión de asistir a una redada encaminada a detener a varios sicarios, alguno con más de 50 muertes a sus espaldas.
En cuanto al uso de imágenes, recurre a la combinación de planos medios, cortos, primerísimos primeros planos en las entrevistas más comprometidas, al ser menores, y , así como transiciones, barridos, travellings… mientras documenta el reportaje con la voz en off. La música es otro de los aciertos de Baby sicarios.
Si bien esta iniciativa es de aplaudir, desde el país afectado, Colombia, son varios los medios los que han criticado el reportaje tildándolo de “un burdo montaje basado en entrevistas amañadas”. Cuatro lo ha desmentido y, sinceramente, al ver el programa parece difícil pensar que los testimonio son amañados como dicen en Colombia. Quizás sean solo los del correccional, o quizás no quieren verlo o no quieren que el reportaje dañe la imagen (ya de por si dañada) del país.
Y no sólo se ha quedado en eso. Un programa del Canal Une, ¿Y usted qué opina? Ha intentado contrastar la realidad que muestra Cuatro de los supuestos sicarios del Correccional Marceliano Osa. El resultado es este. Juzguen ustedes.
http://www.youtube.com/watch?v=ESldkXjoQyI
http://www.youtube.com/watch?v=7enQgwCh6Qc&NR=1
http://www.youtube.com/watch?v=mRqwngJMQwM&NR=1
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Uno de los integrantes de REC es David Beriaín, reportero que elaboró uno de los reportajes que más me han impresionado, el de las guerrillas talibán en Afganistán. Y Beriaín es el encargado del primer trabajo: Baby Sicarios. El trabajo nos traslada a Pereira, Colombia, para enseñarnos una realidad que está presente en este país de Sudamérica dañado por la droga y las bandas. Narcotraficantes que usan a los niños como sicarios, más baratos, más manejables, y más eficaces ya que pasan desapercibidos.
En cuanto al tratamiento formal, el reportaje toca bastantes palos, lo cual es bueno, pero quizás le falta algún punto de vista, como el del ciudadano medio o el del político, principalmente para contrastar las formas de ver la realidad. Así pues, tras el contacto con César Vargas, un periodista local, Beriaín acude al Correccional de menores Marceliano Osa, donde habla con varios sicarios condenados y la directora del centro, Marta Inés Medina. Posteriormente, viaja a varios barrios de la ciudad, donde habla con pandilleros, aunque también hablará con algún líder. El secretario de Gobierno Germán Dario Saldarriaga habla sobre la relación del aumento del consumo de droga en el país y la escalada de violencia. La psicóloga aporta un punto de vista social, que contrasta con el de las Fuerzas de Seguridad. Beriaín tiene la ocasión de asistir a una redada encaminada a detener a varios sicarios, alguno con más de 50 muertes a sus espaldas.
En cuanto al uso de imágenes, recurre a la combinación de planos medios, cortos, primerísimos primeros planos en las entrevistas más comprometidas, al ser menores, y , así como transiciones, barridos, travellings… mientras documenta el reportaje con la voz en off. La música es otro de los aciertos de Baby sicarios.
Si bien esta iniciativa es de aplaudir, desde el país afectado, Colombia, son varios los medios los que han criticado el reportaje tildándolo de “un burdo montaje basado en entrevistas amañadas”. Cuatro lo ha desmentido y, sinceramente, al ver el programa parece difícil pensar que los testimonio son amañados como dicen en Colombia. Quizás sean solo los del correccional, o quizás no quieren verlo o no quieren que el reportaje dañe la imagen (ya de por si dañada) del país.
Y no sólo se ha quedado en eso. Un programa del Canal Une, ¿Y usted qué opina? Ha intentado contrastar la realidad que muestra Cuatro de los supuestos sicarios del Correccional Marceliano Osa. El resultado es este. Juzguen ustedes.
http://www.youtube.com/watch?v=ESldkXjoQyI
http://www.youtube.com/watch?v=7enQgwCh6Qc&NR=1
http://www.youtube.com/watch?v=mRqwngJMQwM&NR=1
Según los datos de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) este 43 % de caída es casi el doble que en el resto de países de Europa. En la actualidad en nuestro país, vender 7000 discos en una semana es suficiente para conseguir se número uno en las ventas.
Debido a esta crisis las discográficas han dejado de contratar a nuevos talentos. Los grupos nuevos lo tienen más difícil ya que la industría no puede invertir en ellos. Esto a su vez ha traído como consecuencia que haya descendido la cuota de música española producida.
Según el IFPI la situación es tan extrema en España porque los usuarios de P2P son el doble de lo que se considera la media europea. El 32% de los internautas usa redes de intercambio. Este transito de archivos hace difícil la recuperación del mercado musical en España.
Mientras el mundo discográfico cae, los usuarios siguen luchando contras las medidas antidescargas que se quieren imponer. Ahora un Informe de la Federación de Estudios de Economía Aplicado (Fedea) les da su apoyo alertando de que dichas medidas frenarán el desarrollo de Internet. Estas medidas solo harán el trabajo sucio sin ayudar al modelo productivo de las discográficas.
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Callejeando por Alcorcón Central se llega a la calle de la Princesa. Su número uno alberga el estudio de Jesús Palacios, artista y grabador desde que tenía 14 años. En el próximo mes de marzo va a realizar una exposición donde mostrará sus últimas creaciones. Piezas que han surgido en este taller, en donde entre libros de historia del arte, óleo y pinceles este artista nos ha hablado de sus inicios en este mundo y de la dificultad que tienen los artistas para encontrar la esencia de su obra.
Éxodo. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
Pregunta.- ¿Ha sido difícil crearse un hueco en el mundo del arte? En un primer momento se negó a realizar la exposición que prepara ahora ¿Qué ocurrió?
Respuesta.- Comencé a trabajar en un taller y en esa época conocí a Rafael Liaño, coordinador de cultura, le gusto lo que hacía. Fundó un grupo al que llamó “12 maneras”, siempre he estado orgulloso de pertenecer a él. Después, empecé a trabajar con Antonio Jiménez, pintor de Málaga. Yo trabajaba interpretando su obra trasladando a las planchas su obra plástica. Cuando esto empezó a declinar, el mercado se saturó, le dije que no quería interpretar más sus obras. . Siempre estuve en contacto con Rafael Riaño me propuso que hiciera una exposición pero al estar tanto tiempo sin hacer obra propia dije que no. Porque no tenía nada reciente y me encontraba vacío.
P.- ¿Por qué ahora si ha decidido exponer?
R.- Al principio me levantaba a las 5 de la mañana y me bajaba al taller a gastar óleo. Estuve a punto de cerrar porque no salía nada, entonces cogí a Rafael y le dije que le avisaría cuando tuviese algo. Y en el 2003 saque una obra que fue el punto de partida de lo que hago ahora.
P.- ¿Qué fue lo que ocurrió en el 2003 para que comenzará lo que es actualmente su arte?
R.- Vi algo que se salía de lo que habitualmente había estado pintando. Cuando se me planteo hacer la exposición dije que era un compromiso porque no tenía nada que decir. En el 2003 hice una obra que esta destripada. De hay saco mi mundo. Investigo en ello, veo de qué va. Tuve la suerte de verlo, mucho le debo a Claudia (su hija).
P.- Entonces, ¿el sentimiento infantil es un elemento importante en su obra?
R.- Cogía a mi hija y la decía vamos a pintar juntos. Veía que no tenía miedo, no tenía prejuicios, simplemente pintaba, sin razonamiento, eso era genial. Yo venia y lo analizaba. Un día llamé a Rafael, le dije que ya lo tenía. Me propuso catalogarlo para finalmente llevarlo a Arco.
P.- ¿Qué elemento diferencia su obra de la de otros artistas?
R.- Inicié los trabajos en una obra que trasmitiera. La gran búsqueda en mi caso era tratar de identificarme con algo personal. Lo mismo que Van Gogh tenía de referencia la naturaleza, en mi caso ha sido la liberta de los niños. Pero después le tienes que dar ese toque de madurez. Es original porque es un mundo muy personal.
Senda. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
P.- ¿Sabe cuando cuadros expondrá? ¿Toma algún criterio a la hora de escogerlos?
R.- No sé las obras que voy a exponer, es producir y seleccionar. No se trata de llevarlo todo. En primer lugar porque es una cuestión de integridad y segundo de cara al visitante hay que mostrarle respeto. El visitante no es tonto y tienes que exponer aquello con lo que estás verdaderamente de acuerdo para que el visitante participe de aquello de lo que estas a gusto.
P.- De obras anteriores ha sacado chapas y ha realizado encuadernaciones. ¿Piensa en darle otras utilidades a sus nuevas creaciones?
R.- Estoy pensando hacerlo en escultura, de plastilina. Algo muy infantil, y así volvemos a la libertad de los niños. También tiene mosaicos como aplicación, que los llevaré a la exposición. Puede servir para la decoración e incluso estoy pensando hacer camisetas, porque es algo muy alegre. No quiero que se quede en la cuestión de un cuadro sino que también pudiese tener aplicaciones en la vida cotidiana.
P.- ¿Cual es la idea principal con la que le gustaría que se quedaran los visitantes de la exposición?
R.- No hay nada que sea eterno, hay que ser consciente de lo perecedero de la obra. Me interesa lo que se percibe, que este bien hecho. Quiero que se vea que esta hecho con mimo. Que se vea que es algo bonito, porque el arte tiene que tener ese apartado de belleza. No quiero críticas ni hacer denuncia de nada, quiero mirar la obra y sentirme a gusto al verla. Que en un día triste, lluvioso, yo mire la obra y me sienta feliz.
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Éxodo. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.Pregunta.- ¿Ha sido difícil crearse un hueco en el mundo del arte? En un primer momento se negó a realizar la exposición que prepara ahora ¿Qué ocurrió?
Respuesta.- Comencé a trabajar en un taller y en esa época conocí a Rafael Liaño, coordinador de cultura, le gusto lo que hacía. Fundó un grupo al que llamó “12 maneras”, siempre he estado orgulloso de pertenecer a él. Después, empecé a trabajar con Antonio Jiménez, pintor de Málaga. Yo trabajaba interpretando su obra trasladando a las planchas su obra plástica. Cuando esto empezó a declinar, el mercado se saturó, le dije que no quería interpretar más sus obras. . Siempre estuve en contacto con Rafael Riaño me propuso que hiciera una exposición pero al estar tanto tiempo sin hacer obra propia dije que no. Porque no tenía nada reciente y me encontraba vacío.
P.- ¿Por qué ahora si ha decidido exponer?
R.- Al principio me levantaba a las 5 de la mañana y me bajaba al taller a gastar óleo. Estuve a punto de cerrar porque no salía nada, entonces cogí a Rafael y le dije que le avisaría cuando tuviese algo. Y en el 2003 saque una obra que fue el punto de partida de lo que hago ahora.
P.- ¿Qué fue lo que ocurrió en el 2003 para que comenzará lo que es actualmente su arte?
R.- Vi algo que se salía de lo que habitualmente había estado pintando. Cuando se me planteo hacer la exposición dije que era un compromiso porque no tenía nada que decir. En el 2003 hice una obra que esta destripada. De hay saco mi mundo. Investigo en ello, veo de qué va. Tuve la suerte de verlo, mucho le debo a Claudia (su hija).
P.- Entonces, ¿el sentimiento infantil es un elemento importante en su obra?
R.- Cogía a mi hija y la decía vamos a pintar juntos. Veía que no tenía miedo, no tenía prejuicios, simplemente pintaba, sin razonamiento, eso era genial. Yo venia y lo analizaba. Un día llamé a Rafael, le dije que ya lo tenía. Me propuso catalogarlo para finalmente llevarlo a Arco.
P.- ¿Qué elemento diferencia su obra de la de otros artistas?
R.- Inicié los trabajos en una obra que trasmitiera. La gran búsqueda en mi caso era tratar de identificarme con algo personal. Lo mismo que Van Gogh tenía de referencia la naturaleza, en mi caso ha sido la liberta de los niños. Pero después le tienes que dar ese toque de madurez. Es original porque es un mundo muy personal.
Senda. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
P.- ¿Sabe cuando cuadros expondrá? ¿Toma algún criterio a la hora de escogerlos?
R.- No sé las obras que voy a exponer, es producir y seleccionar. No se trata de llevarlo todo. En primer lugar porque es una cuestión de integridad y segundo de cara al visitante hay que mostrarle respeto. El visitante no es tonto y tienes que exponer aquello con lo que estás verdaderamente de acuerdo para que el visitante participe de aquello de lo que estas a gusto.
P.- De obras anteriores ha sacado chapas y ha realizado encuadernaciones. ¿Piensa en darle otras utilidades a sus nuevas creaciones?
R.- Estoy pensando hacerlo en escultura, de plastilina. Algo muy infantil, y así volvemos a la libertad de los niños. También tiene mosaicos como aplicación, que los llevaré a la exposición. Puede servir para la decoración e incluso estoy pensando hacer camisetas, porque es algo muy alegre. No quiero que se quede en la cuestión de un cuadro sino que también pudiese tener aplicaciones en la vida cotidiana.
P.- ¿Cual es la idea principal con la que le gustaría que se quedaran los visitantes de la exposición?
R.- No hay nada que sea eterno, hay que ser consciente de lo perecedero de la obra. Me interesa lo que se percibe, que este bien hecho. Quiero que se vea que esta hecho con mimo. Que se vea que es algo bonito, porque el arte tiene que tener ese apartado de belleza. No quiero críticas ni hacer denuncia de nada, quiero mirar la obra y sentirme a gusto al verla. Que en un día triste, lluvioso, yo mire la obra y me sienta feliz.
La banda sonora de la esperadísima película de Tim Burton ha quedado divida en dos. Por una parte tenemos la banda sonora original y por otra parte tenemos Almost Alice que es un disco en el que encontramos una colección de canciones de varios artistas inspiradas por la película de Alice in Wonderland.
Entre las canciones podemos encontrar artistas de renombre entre las quinceañeras como Avril Lavigne o Tokio Hotel. El disco lo componen 19 canciones de cuales sobran 18. Franz Ferninad hace una excepcional interpretación en un disco que no pasa de mediocre. El compositor nos presenta una canción cantada con voz profunda y que nos da la sensación de juego, de algo infantil pero macabro.
En la mayoría de los casos la música no evoca a la película y simplemente corresponde con una manifestación más de lo genial que puede ser un grupo al triunfar entre los más jóvenes. Disney lo sabe y suma este disco a la lista de aberraciones que ha producido con cantantes como Hannah Montana o los Jonas Brothers. Formulas fáciles con estribillos repetitivos que los jóvenes puedan usar como banda sonora propia.
Muchos adolescentes fliparon pepinillos al ver el videoclip de Avril Lavigne corriendo por el césped persiguiendo a un conejo que casi no corre, debe ser que este no llega tarde. Avril hace una interpretación magistral corriendo perdida entre los árboles. Mechas de colores, ojos negros y un tono de voz demasiado agudo pueden ser el resumen de un videoclip que tiene más de vender a Avril que de promoción de la película.
La canción interpretada por Avril, titulada Alice, ha sido el primer single del disco seguido por Tea Party de la cantante Kerli. La canción comienza lentamente, Avril tumbada en el suelo parece haberse cantado de cantar. De repente sube la voz y llega a un registro en el que el cristal se convierte en uno de sus fervientes enemigos. Su voz desentona demasiado con el tono misterioso que presenta la película.
El disco en términos generales sufre demasiados altibajos. Nos encontramos con canciones muy bucólicas como por ejemplo Welcome to Mystery de Plain y con canciones que parecen estar destinadas a una fiesta nocturna o un bar de streaptease como Tea Party. Resumiendo, una mala no banda sonora. Yo particularmente, me quedaría con la Banda sonora original de Danny Helfman para ganar en calidad y en salud auditiva.
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Entre las canciones podemos encontrar artistas de renombre entre las quinceañeras como Avril Lavigne o Tokio Hotel. El disco lo componen 19 canciones de cuales sobran 18. Franz Ferninad hace una excepcional interpretación en un disco que no pasa de mediocre. El compositor nos presenta una canción cantada con voz profunda y que nos da la sensación de juego, de algo infantil pero macabro.
En la mayoría de los casos la música no evoca a la película y simplemente corresponde con una manifestación más de lo genial que puede ser un grupo al triunfar entre los más jóvenes. Disney lo sabe y suma este disco a la lista de aberraciones que ha producido con cantantes como Hannah Montana o los Jonas Brothers. Formulas fáciles con estribillos repetitivos que los jóvenes puedan usar como banda sonora propia.
Muchos adolescentes fliparon pepinillos al ver el videoclip de Avril Lavigne corriendo por el césped persiguiendo a un conejo que casi no corre, debe ser que este no llega tarde. Avril hace una interpretación magistral corriendo perdida entre los árboles. Mechas de colores, ojos negros y un tono de voz demasiado agudo pueden ser el resumen de un videoclip que tiene más de vender a Avril que de promoción de la película.
La canción interpretada por Avril, titulada Alice, ha sido el primer single del disco seguido por Tea Party de la cantante Kerli. La canción comienza lentamente, Avril tumbada en el suelo parece haberse cantado de cantar. De repente sube la voz y llega a un registro en el que el cristal se convierte en uno de sus fervientes enemigos. Su voz desentona demasiado con el tono misterioso que presenta la película.
El disco en términos generales sufre demasiados altibajos. Nos encontramos con canciones muy bucólicas como por ejemplo Welcome to Mystery de Plain y con canciones que parecen estar destinadas a una fiesta nocturna o un bar de streaptease como Tea Party. Resumiendo, una mala no banda sonora. Yo particularmente, me quedaría con la Banda sonora original de Danny Helfman para ganar en calidad y en salud auditiva.
Con una camisa blanca, una americana negra y barba de tres días llega a Madrid Russel Crowe para presentar su última película, Robin Hood. Este actor, de origen neozelandés, muestra su mejor sonrisa para dar a conocer este film que protagoniza bajo la dirección de Ridley Scott. Es la quinta vez que trabajan juntos y en otras ocasiones han obtenido muy buenos resultados, como en la magnífica Gladiator, donde interpretaba a un comandante convertido forzosamente a gladiador. En esta ocasión, Crowe se pone en la piel del príncipe de los ladrones, Robin Hood. Según ha señalado el actor, esta versión del mítico personaje es especial y muestra cómo era su vida y su familia. "Queremos hacer justicia, estar a la altura del mito", añade. Éstas son algunas de las pocas palabras que se han podido arrancar al neozelandés, ya que durante su visita relámpago a la capital sólo ha atendido a algunos medios.
Sin embargo, sí ha encontrado un hueco para acercarse a la ciudad deportiva de Valdebebas y charlar amistosamente con los jugadores del Real Madrid tras finalizar el entreamiento. Crowe se declara un apasionado de los deportes y del fútbol en particular, y por ello no ha querido perder la ocasión de cruzar impresiones con Cristiano Ronaldo, Arbeloa o Guti, jugadores del equipo que el actor ha calificado como "legendario".
Cada uno tiene un estilo distinto para presentar sus películas. Algunos hacen tours de entrevistas, otros sólo posan delante de un fotocol. Lo cierto es que Russell Crowe puede hacerlo del modo que quiera porque un actor de sus características es difícil de encontrar. Atractivo, polifacético y con esa mirada ingenua a la vez que poderosa, consigue trasladarte al Nueva York de finales de los 60 (American Gangster), convertirse en boxeador (Cinderella Man), ser el más adorable matemático (Una mente maravillosa) o ser Máximo X Meridio, un gladiador que lucha hasta el final por su familia (Gladiator).
El 14 de mayo llega a las grandes pantallas españolas para robar a los ricos y dárselo a los pobres, no sin antes inaugurar con sus flechas el festival de Cannes el próximo día 12 y no sin antes dejar boquiabiertas a sus fans allá donde vaya.
Fuente de la imagen: Fotogramas.es
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Una las citas primaverales para los amantes del séptimo arte es el Festival de Cine Asiático de Barcelona (BAFF). Del 30 de abril al 9 de mayo se pueden encontrar en la Ciudad Condal todas las películas llegadas de Oriente que no han podido descubrirse en salas comerciales de nuestro país. Según la revista Fotogramas, las previsiones apuntan a unos 20.000 asistentes que serán el público de los 170 largometrajes que se proyectarán, sin tener en cuenta BAFF Anime, que funciona casi como un pequeño festival dentro del BAFF.Directores consagrados se mezclarán con los nuevos creadores durante 10 días en Barcelona. Toda la programación en: http://www.baff-bcn.org/
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Es un domingo por la tarde de cualquier ciudad española. Un padre acompaña a su hijo al estadio llevando bufandas de su equipo favorito. Después de comprar pipas y sentarse en sus asientos, los dos se dejan conquistar por la emoción que desprende el graderío. Sonidos de bombos y gritos en un ambiente festivo.
Pero toda la magia del deporte se rompe en cuanto los jugadores salen al césped. A pesar de que se trata de dos equipos de la misma región, el estadio se convierte enseguida en un lugar cargado de odio. Los insultos salen de todas partes y empiezan a caer objetos al estadio. Y allí está el buen hombre, sentado con su hijo pequeño intentando que no se fije en los insultos.
Es una escena habitual en los campos de fútbol españoles. El deporte más seguido en el país ha dejado de ser un espectáculo para convertirse en una guerra. Los estadios son campos de batalla donde el odio pude llegar a afectar al más calmado. No es sólo cosa de los ultras, sino que los lanzamientos de objetos o los gritos ofensivos proceden de todas las partes del campo. También los jugadores se dejan llevar respondiendo a la grada con gestos obscenos.
Los periódicos deportivos alimentan aún más este odio y rencor, acusando al equipo rival de amañar partidos y demás e insistiendo en el carácter guerrero de lo que es sólo una competición deportiva.
Es necesario tomar medidas para evitar los graves incidentes que se producen en los estadio, en los que en ocasiones incluso llega a haber muertos. Hay que echar a los violentos de los estadios. Lo que bajo ningún concepto se puede permitir es que, bajo la máscara de animar a un equipo, se acabe permitiendo que se insulte gravemente a la afición rival.
La reforma la deben realizar en primer lugar los clubes, las federaciones y los medios de comunicación y, de esta forma, conseguir cambiar la actitud del espectador. El objetivo es que el fútbol vuelva a convertirse en la que fue en su origen; una competición deportiva en la que se enfrentaban equipos, con gran esfuerzo, pero con respeto y caballerosidad. Que el fútbol vuelva a ser una afición que una a las personas y que un padre pueda llevar a su hijo al estadio con toda tranquilidad.
Pero hasta ese día los que acaban pagando los platos rotos son los aficionados a este deporte que van al estadio a pasar un rato divertido y que acaban siendo testigos de un espectáculo lamentable desde las gradas.
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Pero toda la magia del deporte se rompe en cuanto los jugadores salen al césped. A pesar de que se trata de dos equipos de la misma región, el estadio se convierte enseguida en un lugar cargado de odio. Los insultos salen de todas partes y empiezan a caer objetos al estadio. Y allí está el buen hombre, sentado con su hijo pequeño intentando que no se fije en los insultos.
Es una escena habitual en los campos de fútbol españoles. El deporte más seguido en el país ha dejado de ser un espectáculo para convertirse en una guerra. Los estadios son campos de batalla donde el odio pude llegar a afectar al más calmado. No es sólo cosa de los ultras, sino que los lanzamientos de objetos o los gritos ofensivos proceden de todas las partes del campo. También los jugadores se dejan llevar respondiendo a la grada con gestos obscenos.
Los periódicos deportivos alimentan aún más este odio y rencor, acusando al equipo rival de amañar partidos y demás e insistiendo en el carácter guerrero de lo que es sólo una competición deportiva.
Es necesario tomar medidas para evitar los graves incidentes que se producen en los estadio, en los que en ocasiones incluso llega a haber muertos. Hay que echar a los violentos de los estadios. Lo que bajo ningún concepto se puede permitir es que, bajo la máscara de animar a un equipo, se acabe permitiendo que se insulte gravemente a la afición rival.
La reforma la deben realizar en primer lugar los clubes, las federaciones y los medios de comunicación y, de esta forma, conseguir cambiar la actitud del espectador. El objetivo es que el fútbol vuelva a convertirse en la que fue en su origen; una competición deportiva en la que se enfrentaban equipos, con gran esfuerzo, pero con respeto y caballerosidad. Que el fútbol vuelva a ser una afición que una a las personas y que un padre pueda llevar a su hijo al estadio con toda tranquilidad.
Pero hasta ese día los que acaban pagando los platos rotos son los aficionados a este deporte que van al estadio a pasar un rato divertido y que acaban siendo testigos de un espectáculo lamentable desde las gradas.
La Comunidad de Madrid quiere potenciar que los mayores de la región puedan disfrutar del séptimo arte por un euro, los martes de mayo y junio. Bajo el título "Mayores de cine", casi 900.000 personas con una edad superior a los 60 años podrán acudir a las 500 salas que se han adherido a esta iniciativa.
Cabe señalar que es la quinta edición de este programa, que supone una inversión de 1,2 millones de euros al gobierno regional. En esta ocasión cuenta con un padrino de lujo: Tony Leblanc. Este veterano del cine quiere mostrar así su apoyo tanto a los mayores madrileños como a la industria cinematográfica.
En este sentido, este actor madrileño, que cumplirá 88 años próximamente, ha recibido durante la presentación de este programa un premio en agradecimiento a su colaboración. Se trata de la distinción "Toda una vida de cine" con la que se busca homenajear el talento inagotable de Tony Leblanc, que ha participado a lo largo de su trayectoria en más de 150 películas consiguiendo numerosos premios, entre los que destacan dos Goyas.
La actividad "Mayores de cine" se enmarca dentro de un programa más amplio de Envejecimiento Activo de la Comunidad de Madrid. Se busca, así, prevenir posibles situaciones de dependencia, además de fomentar el ocio y las relaciones sociales entre los mayores de la región. Se espera la participación de más de 350.000 personas en esta actividad que arranca el próximo martes 4 de mayo.
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Cabe señalar que es la quinta edición de este programa, que supone una inversión de 1,2 millones de euros al gobierno regional. En esta ocasión cuenta con un padrino de lujo: Tony Leblanc. Este veterano del cine quiere mostrar así su apoyo tanto a los mayores madrileños como a la industria cinematográfica.
En este sentido, este actor madrileño, que cumplirá 88 años próximamente, ha recibido durante la presentación de este programa un premio en agradecimiento a su colaboración. Se trata de la distinción "Toda una vida de cine" con la que se busca homenajear el talento inagotable de Tony Leblanc, que ha participado a lo largo de su trayectoria en más de 150 películas consiguiendo numerosos premios, entre los que destacan dos Goyas.
La actividad "Mayores de cine" se enmarca dentro de un programa más amplio de Envejecimiento Activo de la Comunidad de Madrid. Se busca, así, prevenir posibles situaciones de dependencia, además de fomentar el ocio y las relaciones sociales entre los mayores de la región. Se espera la participación de más de 350.000 personas en esta actividad que arranca el próximo martes 4 de mayo.
Ya se ha hecho público el balance de cuentas de la SGAE del 2009. Esta Institución se ha embolsado un 5,1% menos en concepto de derechos de autor. Teddy Bautista, Presidente del Consejo de Dirección, ha declarado que "en el contexto de crisis en el que nos encontramos las pérdidas podían haber sido mayores", teniendo en cuenta que la caída media de las ventas de las empresas fue de un 12,6%. Además considera que "no es la SGAE la que tenga problemas, sino que le va mal al país en general".
Tal y como podemos observar, la SGAE no hace nada para ayudar al pequeño comercio. De hecho, sigue con su campaña de aumentar el impuesto sobre la música que se pone en los establecimientos, algo comprobado tras las polémicas surgidas con las peluquerías. Con ello lo único que consigue es agravar la situación de tiendas pequeñas que casi no pueden mantenerse abiertas. Gracias a la colaboración de la SGAE, quizás las próximas declaraciones podrían decir que España sigue mal y la SGAE se recupera.
Por si acaso, los dirigentes de la institución aseguran su futuro. A lo mejor, influenciados por el próximo estreno de la película de Russell Crowe, la Sociedad General de Autores ejerce de Robin Hood a la inversa, roba a los pobres para enriquecer a los que más tienen. Teddy ya recibe un sueldo anual de 300.000 euros, pero por si no fuera suficiente, recibirá una pensión de 24.500 euros al mes. Al menos nos queda el consuelo de que este dinero llega les llega de manera altruista, ya que el comerciante no está en la obligación de poner música. Eso sí, si decide amenizar la velada, que pague.
Para una institución que se enriquece a costa de sus representados, que "supuestamente" quieren difundir la cultura, lo que está haciendo es frenar el desarrollo artístico. Proteger la cultura no debe convertirse en un sinónimo de cobro indiscriminado. Así, existen dos polos opuestos. En un extremo se sitúan algunos creadores que consideran que sus obras se ven amenazadas por no recaudar este dinero. Justo en este lugar se encuentra, por ejemplo, Ramoncín. Este cantante, ex directivo de la SGAE, arremete constantemente contra todo aquello en lo que aparezca su nombre y no reciba beneficio por ello. Es una de las máximas expresiones de la institución: Ramoncín tiene Copyright. Quizás dentro de unos días nos pida explicaciones por estas palabras.
Si cruzamos la línea encontramos a otros artistas que defienden una recaudación más normalizada de los beneficios. Es lógico que cada persona quiera que su trabajo se vea reconocido. Pero si existen artistas favorables a una regulación de las descargas por Internet, por ejemplo, es porque los otros nos toman el pelo. Alguien debería decirles que la avaricia rompe el saco. Y los derechos de autor pesan mucho.
En esta lucha, la SGAE se siente en su salsa. Con el apoyo de la Ministra de cultura, Ángeles González Sinde, quieren poner cánones hasta por respirar, si suena de un modo similar a una canción. Y es que, la manifestación más clara es la música e Internet, como hemos señalado anteriormente. Así, el Ministerio elaboró una lista de páginas negras, a lo que los internautas respondieron con una maravillosa "Lista de Sinde", haciendo el símil con la famosa película de Steven Spielberg.
¡Qué complicado es esto de que a uno le reconozcan lo que hace, sin que por ello tengan que pagar todos aquellos que ni siquera saben de su existencia! Lo que está claro es que la SGAE es una institución controvertida y poco querida por los españoles, de hecho es la entidad peor valorada en nuestro país. El cobro indiscriminado, los cánones, los impuestos por la música, el excesivo control, vetar a unos niños por hacer una obra de teatro, buscar recaudación en las fiestas patronales, intentar cobrar en un concierto benéfico... entre otras muchas cosas, no ayudan a mejorar esta imagen.
Sería recomendable que la institución comprendiera que el dinero no es lo más importante en esta vida y que todo el mundo debería poder acceder a la cultura. Y es que la cultura es poder, y el poder no puede estar en manos de unos pocos. Quizás sea eso lo que temen.
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