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Según los datos de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) este 43 % de caída es casi el doble que en el resto de países de Europa. En la actualidad en nuestro país, vender 7000 discos en una semana es suficiente para conseguir se número uno en las ventas.
Debido a esta crisis las discográficas han dejado de contratar a nuevos talentos. Los grupos nuevos lo tienen más difícil ya que la industría no puede invertir en ellos. Esto a su vez ha traído como consecuencia que haya descendido la cuota de música española producida.
Según el IFPI la situación es tan extrema en España porque los usuarios de P2P son el doble de lo que se considera la media europea. El 32% de los internautas usa redes de intercambio. Este transito de archivos hace difícil la recuperación del mercado musical en España.
Mientras el mundo discográfico cae, los usuarios siguen luchando contras las medidas antidescargas que se quieren imponer. Ahora un Informe de la Federación de Estudios de Economía Aplicado (Fedea) les da su apoyo alertando de que dichas medidas frenarán el desarrollo de Internet. Estas medidas solo harán el trabajo sucio sin ayudar al modelo productivo de las discográficas.
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Callejeando por Alcorcón Central se llega a la calle de la Princesa. Su número uno alberga el estudio de Jesús Palacios, artista y grabador desde que tenía 14 años. En el próximo mes de marzo va a realizar una exposición donde mostrará sus últimas creaciones. Piezas que han surgido en este taller, en donde entre libros de historia del arte, óleo y pinceles este artista nos ha hablado de sus inicios en este mundo y de la dificultad que tienen los artistas para encontrar la esencia de su obra.
Éxodo. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
Pregunta.- ¿Ha sido difícil crearse un hueco en el mundo del arte? En un primer momento se negó a realizar la exposición que prepara ahora ¿Qué ocurrió?
Respuesta.- Comencé a trabajar en un taller y en esa época conocí a Rafael Liaño, coordinador de cultura, le gusto lo que hacía. Fundó un grupo al que llamó “12 maneras”, siempre he estado orgulloso de pertenecer a él. Después, empecé a trabajar con Antonio Jiménez, pintor de Málaga. Yo trabajaba interpretando su obra trasladando a las planchas su obra plástica. Cuando esto empezó a declinar, el mercado se saturó, le dije que no quería interpretar más sus obras. . Siempre estuve en contacto con Rafael Riaño me propuso que hiciera una exposición pero al estar tanto tiempo sin hacer obra propia dije que no. Porque no tenía nada reciente y me encontraba vacío.
P.- ¿Por qué ahora si ha decidido exponer?
R.- Al principio me levantaba a las 5 de la mañana y me bajaba al taller a gastar óleo. Estuve a punto de cerrar porque no salía nada, entonces cogí a Rafael y le dije que le avisaría cuando tuviese algo. Y en el 2003 saque una obra que fue el punto de partida de lo que hago ahora.
P.- ¿Qué fue lo que ocurrió en el 2003 para que comenzará lo que es actualmente su arte?
R.- Vi algo que se salía de lo que habitualmente había estado pintando. Cuando se me planteo hacer la exposición dije que era un compromiso porque no tenía nada que decir. En el 2003 hice una obra que esta destripada. De hay saco mi mundo. Investigo en ello, veo de qué va. Tuve la suerte de verlo, mucho le debo a Claudia (su hija).
P.- Entonces, ¿el sentimiento infantil es un elemento importante en su obra?
R.- Cogía a mi hija y la decía vamos a pintar juntos. Veía que no tenía miedo, no tenía prejuicios, simplemente pintaba, sin razonamiento, eso era genial. Yo venia y lo analizaba. Un día llamé a Rafael, le dije que ya lo tenía. Me propuso catalogarlo para finalmente llevarlo a Arco.
P.- ¿Qué elemento diferencia su obra de la de otros artistas?
R.- Inicié los trabajos en una obra que trasmitiera. La gran búsqueda en mi caso era tratar de identificarme con algo personal. Lo mismo que Van Gogh tenía de referencia la naturaleza, en mi caso ha sido la liberta de los niños. Pero después le tienes que dar ese toque de madurez. Es original porque es un mundo muy personal.
Senda. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
P.- ¿Sabe cuando cuadros expondrá? ¿Toma algún criterio a la hora de escogerlos?
R.- No sé las obras que voy a exponer, es producir y seleccionar. No se trata de llevarlo todo. En primer lugar porque es una cuestión de integridad y segundo de cara al visitante hay que mostrarle respeto. El visitante no es tonto y tienes que exponer aquello con lo que estás verdaderamente de acuerdo para que el visitante participe de aquello de lo que estas a gusto.
P.- De obras anteriores ha sacado chapas y ha realizado encuadernaciones. ¿Piensa en darle otras utilidades a sus nuevas creaciones?
R.- Estoy pensando hacerlo en escultura, de plastilina. Algo muy infantil, y así volvemos a la libertad de los niños. También tiene mosaicos como aplicación, que los llevaré a la exposición. Puede servir para la decoración e incluso estoy pensando hacer camisetas, porque es algo muy alegre. No quiero que se quede en la cuestión de un cuadro sino que también pudiese tener aplicaciones en la vida cotidiana.
P.- ¿Cual es la idea principal con la que le gustaría que se quedaran los visitantes de la exposición?
R.- No hay nada que sea eterno, hay que ser consciente de lo perecedero de la obra. Me interesa lo que se percibe, que este bien hecho. Quiero que se vea que esta hecho con mimo. Que se vea que es algo bonito, porque el arte tiene que tener ese apartado de belleza. No quiero críticas ni hacer denuncia de nada, quiero mirar la obra y sentirme a gusto al verla. Que en un día triste, lluvioso, yo mire la obra y me sienta feliz.
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Éxodo. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.Pregunta.- ¿Ha sido difícil crearse un hueco en el mundo del arte? En un primer momento se negó a realizar la exposición que prepara ahora ¿Qué ocurrió?
Respuesta.- Comencé a trabajar en un taller y en esa época conocí a Rafael Liaño, coordinador de cultura, le gusto lo que hacía. Fundó un grupo al que llamó “12 maneras”, siempre he estado orgulloso de pertenecer a él. Después, empecé a trabajar con Antonio Jiménez, pintor de Málaga. Yo trabajaba interpretando su obra trasladando a las planchas su obra plástica. Cuando esto empezó a declinar, el mercado se saturó, le dije que no quería interpretar más sus obras. . Siempre estuve en contacto con Rafael Riaño me propuso que hiciera una exposición pero al estar tanto tiempo sin hacer obra propia dije que no. Porque no tenía nada reciente y me encontraba vacío.
P.- ¿Por qué ahora si ha decidido exponer?
R.- Al principio me levantaba a las 5 de la mañana y me bajaba al taller a gastar óleo. Estuve a punto de cerrar porque no salía nada, entonces cogí a Rafael y le dije que le avisaría cuando tuviese algo. Y en el 2003 saque una obra que fue el punto de partida de lo que hago ahora.
P.- ¿Qué fue lo que ocurrió en el 2003 para que comenzará lo que es actualmente su arte?
R.- Vi algo que se salía de lo que habitualmente había estado pintando. Cuando se me planteo hacer la exposición dije que era un compromiso porque no tenía nada que decir. En el 2003 hice una obra que esta destripada. De hay saco mi mundo. Investigo en ello, veo de qué va. Tuve la suerte de verlo, mucho le debo a Claudia (su hija).
P.- Entonces, ¿el sentimiento infantil es un elemento importante en su obra?
R.- Cogía a mi hija y la decía vamos a pintar juntos. Veía que no tenía miedo, no tenía prejuicios, simplemente pintaba, sin razonamiento, eso era genial. Yo venia y lo analizaba. Un día llamé a Rafael, le dije que ya lo tenía. Me propuso catalogarlo para finalmente llevarlo a Arco.
P.- ¿Qué elemento diferencia su obra de la de otros artistas?
R.- Inicié los trabajos en una obra que trasmitiera. La gran búsqueda en mi caso era tratar de identificarme con algo personal. Lo mismo que Van Gogh tenía de referencia la naturaleza, en mi caso ha sido la liberta de los niños. Pero después le tienes que dar ese toque de madurez. Es original porque es un mundo muy personal.
Senda. Obra de Jesús Palacios. Fuente: Jesús Palacios.
P.- ¿Sabe cuando cuadros expondrá? ¿Toma algún criterio a la hora de escogerlos?
R.- No sé las obras que voy a exponer, es producir y seleccionar. No se trata de llevarlo todo. En primer lugar porque es una cuestión de integridad y segundo de cara al visitante hay que mostrarle respeto. El visitante no es tonto y tienes que exponer aquello con lo que estás verdaderamente de acuerdo para que el visitante participe de aquello de lo que estas a gusto.
P.- De obras anteriores ha sacado chapas y ha realizado encuadernaciones. ¿Piensa en darle otras utilidades a sus nuevas creaciones?
R.- Estoy pensando hacerlo en escultura, de plastilina. Algo muy infantil, y así volvemos a la libertad de los niños. También tiene mosaicos como aplicación, que los llevaré a la exposición. Puede servir para la decoración e incluso estoy pensando hacer camisetas, porque es algo muy alegre. No quiero que se quede en la cuestión de un cuadro sino que también pudiese tener aplicaciones en la vida cotidiana.
P.- ¿Cual es la idea principal con la que le gustaría que se quedaran los visitantes de la exposición?
R.- No hay nada que sea eterno, hay que ser consciente de lo perecedero de la obra. Me interesa lo que se percibe, que este bien hecho. Quiero que se vea que esta hecho con mimo. Que se vea que es algo bonito, porque el arte tiene que tener ese apartado de belleza. No quiero críticas ni hacer denuncia de nada, quiero mirar la obra y sentirme a gusto al verla. Que en un día triste, lluvioso, yo mire la obra y me sienta feliz.
La banda sonora de la esperadísima película de Tim Burton ha quedado divida en dos. Por una parte tenemos la banda sonora original y por otra parte tenemos Almost Alice que es un disco en el que encontramos una colección de canciones de varios artistas inspiradas por la película de Alice in Wonderland.
Entre las canciones podemos encontrar artistas de renombre entre las quinceañeras como Avril Lavigne o Tokio Hotel. El disco lo componen 19 canciones de cuales sobran 18. Franz Ferninad hace una excepcional interpretación en un disco que no pasa de mediocre. El compositor nos presenta una canción cantada con voz profunda y que nos da la sensación de juego, de algo infantil pero macabro.
En la mayoría de los casos la música no evoca a la película y simplemente corresponde con una manifestación más de lo genial que puede ser un grupo al triunfar entre los más jóvenes. Disney lo sabe y suma este disco a la lista de aberraciones que ha producido con cantantes como Hannah Montana o los Jonas Brothers. Formulas fáciles con estribillos repetitivos que los jóvenes puedan usar como banda sonora propia.
Muchos adolescentes fliparon pepinillos al ver el videoclip de Avril Lavigne corriendo por el césped persiguiendo a un conejo que casi no corre, debe ser que este no llega tarde. Avril hace una interpretación magistral corriendo perdida entre los árboles. Mechas de colores, ojos negros y un tono de voz demasiado agudo pueden ser el resumen de un videoclip que tiene más de vender a Avril que de promoción de la película.
La canción interpretada por Avril, titulada Alice, ha sido el primer single del disco seguido por Tea Party de la cantante Kerli. La canción comienza lentamente, Avril tumbada en el suelo parece haberse cantado de cantar. De repente sube la voz y llega a un registro en el que el cristal se convierte en uno de sus fervientes enemigos. Su voz desentona demasiado con el tono misterioso que presenta la película.
El disco en términos generales sufre demasiados altibajos. Nos encontramos con canciones muy bucólicas como por ejemplo Welcome to Mystery de Plain y con canciones que parecen estar destinadas a una fiesta nocturna o un bar de streaptease como Tea Party. Resumiendo, una mala no banda sonora. Yo particularmente, me quedaría con la Banda sonora original de Danny Helfman para ganar en calidad y en salud auditiva.
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Entre las canciones podemos encontrar artistas de renombre entre las quinceañeras como Avril Lavigne o Tokio Hotel. El disco lo componen 19 canciones de cuales sobran 18. Franz Ferninad hace una excepcional interpretación en un disco que no pasa de mediocre. El compositor nos presenta una canción cantada con voz profunda y que nos da la sensación de juego, de algo infantil pero macabro.
En la mayoría de los casos la música no evoca a la película y simplemente corresponde con una manifestación más de lo genial que puede ser un grupo al triunfar entre los más jóvenes. Disney lo sabe y suma este disco a la lista de aberraciones que ha producido con cantantes como Hannah Montana o los Jonas Brothers. Formulas fáciles con estribillos repetitivos que los jóvenes puedan usar como banda sonora propia.
Muchos adolescentes fliparon pepinillos al ver el videoclip de Avril Lavigne corriendo por el césped persiguiendo a un conejo que casi no corre, debe ser que este no llega tarde. Avril hace una interpretación magistral corriendo perdida entre los árboles. Mechas de colores, ojos negros y un tono de voz demasiado agudo pueden ser el resumen de un videoclip que tiene más de vender a Avril que de promoción de la película.
La canción interpretada por Avril, titulada Alice, ha sido el primer single del disco seguido por Tea Party de la cantante Kerli. La canción comienza lentamente, Avril tumbada en el suelo parece haberse cantado de cantar. De repente sube la voz y llega a un registro en el que el cristal se convierte en uno de sus fervientes enemigos. Su voz desentona demasiado con el tono misterioso que presenta la película.
El disco en términos generales sufre demasiados altibajos. Nos encontramos con canciones muy bucólicas como por ejemplo Welcome to Mystery de Plain y con canciones que parecen estar destinadas a una fiesta nocturna o un bar de streaptease como Tea Party. Resumiendo, una mala no banda sonora. Yo particularmente, me quedaría con la Banda sonora original de Danny Helfman para ganar en calidad y en salud auditiva.
Con una camisa blanca, una americana negra y barba de tres días llega a Madrid Russel Crowe para presentar su última película, Robin Hood. Este actor, de origen neozelandés, muestra su mejor sonrisa para dar a conocer este film que protagoniza bajo la dirección de Ridley Scott. Es la quinta vez que trabajan juntos y en otras ocasiones han obtenido muy buenos resultados, como en la magnífica Gladiator, donde interpretaba a un comandante convertido forzosamente a gladiador. En esta ocasión, Crowe se pone en la piel del príncipe de los ladrones, Robin Hood. Según ha señalado el actor, esta versión del mítico personaje es especial y muestra cómo era su vida y su familia. "Queremos hacer justicia, estar a la altura del mito", añade. Éstas son algunas de las pocas palabras que se han podido arrancar al neozelandés, ya que durante su visita relámpago a la capital sólo ha atendido a algunos medios.
Sin embargo, sí ha encontrado un hueco para acercarse a la ciudad deportiva de Valdebebas y charlar amistosamente con los jugadores del Real Madrid tras finalizar el entreamiento. Crowe se declara un apasionado de los deportes y del fútbol en particular, y por ello no ha querido perder la ocasión de cruzar impresiones con Cristiano Ronaldo, Arbeloa o Guti, jugadores del equipo que el actor ha calificado como "legendario".
Cada uno tiene un estilo distinto para presentar sus películas. Algunos hacen tours de entrevistas, otros sólo posan delante de un fotocol. Lo cierto es que Russell Crowe puede hacerlo del modo que quiera porque un actor de sus características es difícil de encontrar. Atractivo, polifacético y con esa mirada ingenua a la vez que poderosa, consigue trasladarte al Nueva York de finales de los 60 (American Gangster), convertirse en boxeador (Cinderella Man), ser el más adorable matemático (Una mente maravillosa) o ser Máximo X Meridio, un gladiador que lucha hasta el final por su familia (Gladiator).
El 14 de mayo llega a las grandes pantallas españolas para robar a los ricos y dárselo a los pobres, no sin antes inaugurar con sus flechas el festival de Cannes el próximo día 12 y no sin antes dejar boquiabiertas a sus fans allá donde vaya.
Fuente de la imagen: Fotogramas.es
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Una las citas primaverales para los amantes del séptimo arte es el Festival de Cine Asiático de Barcelona (BAFF). Del 30 de abril al 9 de mayo se pueden encontrar en la Ciudad Condal todas las películas llegadas de Oriente que no han podido descubrirse en salas comerciales de nuestro país. Según la revista Fotogramas, las previsiones apuntan a unos 20.000 asistentes que serán el público de los 170 largometrajes que se proyectarán, sin tener en cuenta BAFF Anime, que funciona casi como un pequeño festival dentro del BAFF.Directores consagrados se mezclarán con los nuevos creadores durante 10 días en Barcelona. Toda la programación en: http://www.baff-bcn.org/
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Es un domingo por la tarde de cualquier ciudad española. Un padre acompaña a su hijo al estadio llevando bufandas de su equipo favorito. Después de comprar pipas y sentarse en sus asientos, los dos se dejan conquistar por la emoción que desprende el graderío. Sonidos de bombos y gritos en un ambiente festivo.
Pero toda la magia del deporte se rompe en cuanto los jugadores salen al césped. A pesar de que se trata de dos equipos de la misma región, el estadio se convierte enseguida en un lugar cargado de odio. Los insultos salen de todas partes y empiezan a caer objetos al estadio. Y allí está el buen hombre, sentado con su hijo pequeño intentando que no se fije en los insultos.
Es una escena habitual en los campos de fútbol españoles. El deporte más seguido en el país ha dejado de ser un espectáculo para convertirse en una guerra. Los estadios son campos de batalla donde el odio pude llegar a afectar al más calmado. No es sólo cosa de los ultras, sino que los lanzamientos de objetos o los gritos ofensivos proceden de todas las partes del campo. También los jugadores se dejan llevar respondiendo a la grada con gestos obscenos.
Los periódicos deportivos alimentan aún más este odio y rencor, acusando al equipo rival de amañar partidos y demás e insistiendo en el carácter guerrero de lo que es sólo una competición deportiva.
Es necesario tomar medidas para evitar los graves incidentes que se producen en los estadio, en los que en ocasiones incluso llega a haber muertos. Hay que echar a los violentos de los estadios. Lo que bajo ningún concepto se puede permitir es que, bajo la máscara de animar a un equipo, se acabe permitiendo que se insulte gravemente a la afición rival.
La reforma la deben realizar en primer lugar los clubes, las federaciones y los medios de comunicación y, de esta forma, conseguir cambiar la actitud del espectador. El objetivo es que el fútbol vuelva a convertirse en la que fue en su origen; una competición deportiva en la que se enfrentaban equipos, con gran esfuerzo, pero con respeto y caballerosidad. Que el fútbol vuelva a ser una afición que una a las personas y que un padre pueda llevar a su hijo al estadio con toda tranquilidad.
Pero hasta ese día los que acaban pagando los platos rotos son los aficionados a este deporte que van al estadio a pasar un rato divertido y que acaban siendo testigos de un espectáculo lamentable desde las gradas.
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Pero toda la magia del deporte se rompe en cuanto los jugadores salen al césped. A pesar de que se trata de dos equipos de la misma región, el estadio se convierte enseguida en un lugar cargado de odio. Los insultos salen de todas partes y empiezan a caer objetos al estadio. Y allí está el buen hombre, sentado con su hijo pequeño intentando que no se fije en los insultos.
Es una escena habitual en los campos de fútbol españoles. El deporte más seguido en el país ha dejado de ser un espectáculo para convertirse en una guerra. Los estadios son campos de batalla donde el odio pude llegar a afectar al más calmado. No es sólo cosa de los ultras, sino que los lanzamientos de objetos o los gritos ofensivos proceden de todas las partes del campo. También los jugadores se dejan llevar respondiendo a la grada con gestos obscenos.
Los periódicos deportivos alimentan aún más este odio y rencor, acusando al equipo rival de amañar partidos y demás e insistiendo en el carácter guerrero de lo que es sólo una competición deportiva.
Es necesario tomar medidas para evitar los graves incidentes que se producen en los estadio, en los que en ocasiones incluso llega a haber muertos. Hay que echar a los violentos de los estadios. Lo que bajo ningún concepto se puede permitir es que, bajo la máscara de animar a un equipo, se acabe permitiendo que se insulte gravemente a la afición rival.
La reforma la deben realizar en primer lugar los clubes, las federaciones y los medios de comunicación y, de esta forma, conseguir cambiar la actitud del espectador. El objetivo es que el fútbol vuelva a convertirse en la que fue en su origen; una competición deportiva en la que se enfrentaban equipos, con gran esfuerzo, pero con respeto y caballerosidad. Que el fútbol vuelva a ser una afición que una a las personas y que un padre pueda llevar a su hijo al estadio con toda tranquilidad.
Pero hasta ese día los que acaban pagando los platos rotos son los aficionados a este deporte que van al estadio a pasar un rato divertido y que acaban siendo testigos de un espectáculo lamentable desde las gradas.
La Comunidad de Madrid quiere potenciar que los mayores de la región puedan disfrutar del séptimo arte por un euro, los martes de mayo y junio. Bajo el título "Mayores de cine", casi 900.000 personas con una edad superior a los 60 años podrán acudir a las 500 salas que se han adherido a esta iniciativa.
Cabe señalar que es la quinta edición de este programa, que supone una inversión de 1,2 millones de euros al gobierno regional. En esta ocasión cuenta con un padrino de lujo: Tony Leblanc. Este veterano del cine quiere mostrar así su apoyo tanto a los mayores madrileños como a la industria cinematográfica.
En este sentido, este actor madrileño, que cumplirá 88 años próximamente, ha recibido durante la presentación de este programa un premio en agradecimiento a su colaboración. Se trata de la distinción "Toda una vida de cine" con la que se busca homenajear el talento inagotable de Tony Leblanc, que ha participado a lo largo de su trayectoria en más de 150 películas consiguiendo numerosos premios, entre los que destacan dos Goyas.
La actividad "Mayores de cine" se enmarca dentro de un programa más amplio de Envejecimiento Activo de la Comunidad de Madrid. Se busca, así, prevenir posibles situaciones de dependencia, además de fomentar el ocio y las relaciones sociales entre los mayores de la región. Se espera la participación de más de 350.000 personas en esta actividad que arranca el próximo martes 4 de mayo.
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Cabe señalar que es la quinta edición de este programa, que supone una inversión de 1,2 millones de euros al gobierno regional. En esta ocasión cuenta con un padrino de lujo: Tony Leblanc. Este veterano del cine quiere mostrar así su apoyo tanto a los mayores madrileños como a la industria cinematográfica.
En este sentido, este actor madrileño, que cumplirá 88 años próximamente, ha recibido durante la presentación de este programa un premio en agradecimiento a su colaboración. Se trata de la distinción "Toda una vida de cine" con la que se busca homenajear el talento inagotable de Tony Leblanc, que ha participado a lo largo de su trayectoria en más de 150 películas consiguiendo numerosos premios, entre los que destacan dos Goyas.
La actividad "Mayores de cine" se enmarca dentro de un programa más amplio de Envejecimiento Activo de la Comunidad de Madrid. Se busca, así, prevenir posibles situaciones de dependencia, además de fomentar el ocio y las relaciones sociales entre los mayores de la región. Se espera la participación de más de 350.000 personas en esta actividad que arranca el próximo martes 4 de mayo.
Ya se ha hecho público el balance de cuentas de la SGAE del 2009. Esta Institución se ha embolsado un 5,1% menos en concepto de derechos de autor. Teddy Bautista, Presidente del Consejo de Dirección, ha declarado que "en el contexto de crisis en el que nos encontramos las pérdidas podían haber sido mayores", teniendo en cuenta que la caída media de las ventas de las empresas fue de un 12,6%. Además considera que "no es la SGAE la que tenga problemas, sino que le va mal al país en general".
Tal y como podemos observar, la SGAE no hace nada para ayudar al pequeño comercio. De hecho, sigue con su campaña de aumentar el impuesto sobre la música que se pone en los establecimientos, algo comprobado tras las polémicas surgidas con las peluquerías. Con ello lo único que consigue es agravar la situación de tiendas pequeñas que casi no pueden mantenerse abiertas. Gracias a la colaboración de la SGAE, quizás las próximas declaraciones podrían decir que España sigue mal y la SGAE se recupera.
Por si acaso, los dirigentes de la institución aseguran su futuro. A lo mejor, influenciados por el próximo estreno de la película de Russell Crowe, la Sociedad General de Autores ejerce de Robin Hood a la inversa, roba a los pobres para enriquecer a los que más tienen. Teddy ya recibe un sueldo anual de 300.000 euros, pero por si no fuera suficiente, recibirá una pensión de 24.500 euros al mes. Al menos nos queda el consuelo de que este dinero llega les llega de manera altruista, ya que el comerciante no está en la obligación de poner música. Eso sí, si decide amenizar la velada, que pague.
Para una institución que se enriquece a costa de sus representados, que "supuestamente" quieren difundir la cultura, lo que está haciendo es frenar el desarrollo artístico. Proteger la cultura no debe convertirse en un sinónimo de cobro indiscriminado. Así, existen dos polos opuestos. En un extremo se sitúan algunos creadores que consideran que sus obras se ven amenazadas por no recaudar este dinero. Justo en este lugar se encuentra, por ejemplo, Ramoncín. Este cantante, ex directivo de la SGAE, arremete constantemente contra todo aquello en lo que aparezca su nombre y no reciba beneficio por ello. Es una de las máximas expresiones de la institución: Ramoncín tiene Copyright. Quizás dentro de unos días nos pida explicaciones por estas palabras.
Si cruzamos la línea encontramos a otros artistas que defienden una recaudación más normalizada de los beneficios. Es lógico que cada persona quiera que su trabajo se vea reconocido. Pero si existen artistas favorables a una regulación de las descargas por Internet, por ejemplo, es porque los otros nos toman el pelo. Alguien debería decirles que la avaricia rompe el saco. Y los derechos de autor pesan mucho.
En esta lucha, la SGAE se siente en su salsa. Con el apoyo de la Ministra de cultura, Ángeles González Sinde, quieren poner cánones hasta por respirar, si suena de un modo similar a una canción. Y es que, la manifestación más clara es la música e Internet, como hemos señalado anteriormente. Así, el Ministerio elaboró una lista de páginas negras, a lo que los internautas respondieron con una maravillosa "Lista de Sinde", haciendo el símil con la famosa película de Steven Spielberg.
¡Qué complicado es esto de que a uno le reconozcan lo que hace, sin que por ello tengan que pagar todos aquellos que ni siquera saben de su existencia! Lo que está claro es que la SGAE es una institución controvertida y poco querida por los españoles, de hecho es la entidad peor valorada en nuestro país. El cobro indiscriminado, los cánones, los impuestos por la música, el excesivo control, vetar a unos niños por hacer una obra de teatro, buscar recaudación en las fiestas patronales, intentar cobrar en un concierto benéfico... entre otras muchas cosas, no ayudan a mejorar esta imagen.
Sería recomendable que la institución comprendiera que el dinero no es lo más importante en esta vida y que todo el mundo debería poder acceder a la cultura. Y es que la cultura es poder, y el poder no puede estar en manos de unos pocos. Quizás sea eso lo que temen.
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A las diez de la mañana un grupo de niños de primaria aguardaban frente a la puerta de La Casa Encendida de Madrid acompañados de sus profesores, con ese nerviosismo típico de cuando los niños salen de excursión. A su lado, grupos de cámaras y un par críticos de arte esperaban a que la sala de exposiciones abriese sus puertas para poder visitar ARTe SONoro, la nueva muestra que presenta este recinto dedicado al arte contemporáneo.
Test Pattern nº2. Obra de Ryoji Ikeda expuesta en ARTe SONoro. Fuente: La Casa EncendidaLas puertas de La Casa Encendida se abrieron a las diez y cinco. El grupo de primaria se dirigió a la terraza del edificio alejando sus risas del edificio. En el silencioso hall esperaba José Manuel Costa, comisario de ARTe SONoro, que tras saludar a la prensa comunicó que se “iba a tomar un cafetillo” y en unos segundos atendería a los periodistas.
Sin esperar la vuelta del comisario, los visitantes de ARTe SONoro comenzaron la visita de la exposición. La muestra “puede adoptar casi cualquier forma o manifestación y apoyarse en cualquier soporte”, indica su comisario en la presentación que ha escrito para el catálogo de la colección. Pero ¿Qué es ARTe SONoro? Es la reunión de obras de más de cincuenta artistas, en donde la escultura, el sonido, el video y otros muchos elementos se unen para formar una obra única. Las piezas se exponen en varios lugares de Madrid: en La Casa Encendida , en la Colina de las Ciencias, en el barrio de Lavapies, etc.
The Trascendental nº3. Pieza de Ryoji Ikeda presentada en ARTe SONoro.Fuente: La Casa Encendida.Desde el hall se llega a la primera sala de ARTe SONoro. Tras unas enormes puertas de cristal hay una habitación completamente blanca. Aquí se expone la obra de Ryoji Ikeda, compositor electrónico interesado en las propiedades físicas del sonido y de la luz. Un cubo ocupa la parte central de la sala, le acompaña una gran pantalla ubicada al fondo. Son las obras The Transcendental nº3 y Test Pattern nº2 que intentan expresar la definición infinita de las matemáticas y la percepción que tiene de ellas el hombre.
La segunda sala de ARTe SONoro alberga las piezas del artista alemán Carsten Nicolai. Esta nueva habitación aparece dividida por colores. El lado izquierdo es totalmente negro en contraposición al color blanco del lado derecho. La sala está dividida por la obra Raster Gradient, un enorme cuadro que muestra la graduación de un punto de trama haciéndolo de mas a menos intenso. En la zona negra se encuentra Anti, un cubo distorsionado, compuesto por caras con forma de rombos y triángulos. La zona blanca está decorada por Reflex, una escultura geométrica dodecagonal que permite al visitante verla desde dentro a partir de la abertura de uno de sus lados. Las dos figuras intentan expresar la relación entre el bien y el mal, el xing y el xang, un tema habitual en el arte, desde la antigüedad hasta obras tan contemporáneas como las que muestra esta exposición.
A la izquierda Reflex. A la derecha Anti. Contraposiciones en el arte según su autor Carsten Nicolai. Fuente: La Casa Encendida.Después de las salas llega el momento de pasear por la terraza de La Casa Encendida en donde se exponen las obras de cuatro autores. El británico Chris Watson sorprende al visitante con cinco bandas sonoras realizadas en la Antártica. El sonido grabado capta la transformación del hielo de sólido a líquido. El compositor español Llorenç Barber presenta Oyes Ergo Mueres. También se muestra Staccato – Bianco, de la alemána Katja Kölle, obra audible únicamente cuando se pisa un conjunto de planchas que forman la obra. Y por ultimo, Riches & Miwa, arquitecto británico que une el arte sonoro con la cinética en su obra The Thinking Machine.
Hasta aquí ha llegado la visita de ARTe SONoro en La Casa Encendida. Pero hay que recordar que esta exposición la forman más de 50 artistas y se ubica en varios puntos de la capital. Esta muestra no se compone sólo de esculturas. Varios conciertos y eventos rodean ARTe SONoro, la primera exposición dedicada a este universo artístico que se presenta en Madrid.
Antonio Fernández Galiano, presidente de la La Asociación de Editores de Diarios Españoles (AEDE), advirtió en la inauguración de la jornada Medios de Comunicación y Ciudadanía de la "profunda crisis" en la que se encuentra el sector. Y es que las nuevas tecnologías generan nuevas posibilidades, pero también el problema de la propiedad intelectual, pues el producto (periodístico) suele acabar en cualquier espacio “como si no costara nada" su elaboración.
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Entrevista al escritor vasco Fernando Marías, reciente ganador del Premio Primavera de Novela.
Antes de nada, felicidades por el Premio Primavera de Novela por su obra Todo el amor y casi toda la muerte, después de tantos premios obtenidos ¿qué le suponen, satisfacción o presión?Solo satisfacción. Y, en este caso, una curiosa sensación de salto en el tiempo. Gané el Nadal en 2001, y en 2010 el Primavera. Es un cierre de una década prodigiosa. He tenido una gran suerte, la de no perder nunca las ganas de trabajar con honestidad y pasión.
¿Ha leído la obra de la finalista María Tena con La fragilidad de las panteras?
Estoy en ello. Pero la gira, y otras cosas en las que ando, apenas me dejan tiempo para una media de una página al día, con lo cual creo que esperaré a terminar todo esto para leerla con calma.
En este libro, ¿qué parte autobiográfica y que parte es ficción?
Un buen amigo dice que he hecho ficción a partir de mis fantasmas. Creo que es muy adecuado. Es una novela que surge de mis oscuridades, pero desde ahí hay que alzarse para dar al lector más. Yo conté una historia real con fantasmas. Se puede mantener relaciones sexuales con un fantasma. Yo lo he hecho, y lo cuento.
¿Qué opina de las críticas que recibe, cree que todas están fundadas en sus obras literarias o algunas se crean a través de la opinión sobre su persona?
En estos tiempos del reinado de Internet opina todo el mundo en blogs, etc. A veces, de forma un poco agresiva con los libros y los autores. Pienso que es sano no hacer demasiado caso. Y con las críticas igual. Si son buenas, estupendo. Y si no, pues un poco menos estupendo pero muy llevable. Un escritor solo debe preocuparse de lo que escribe él. Lo demás, sea positivo o negativo, da en realidad igual.
¿Qué opina del fenómeno literario Crepúsculo?
No me interesa como literatura, pero siempre tengo un respeto a quien se atreve a romper moldes para adentrarse en algo nuevo, como pueden ser estos vampiros limpios y buenos. Me repatean como admirador de Bram Stoker, pero los observo.
¿Cuáles son sus autores de referencia?
Hoy, Cormac McCarthy y E.L. Doctorow. En el pasado muchos, los de todos: Stevenson, Conrad, Borges…
¿Cree que con los libros digitales se conseguirán más lectores?
Creo que cambiarán el mercado tal y como lo conocemos, lo revolucionarán, lo están haciendo ya. No se puede decir qué pasará con exactitud. ¿Más lectores, menos lectores…? No se sabe. Pero los cambios serán sustanciales y están a la vuelta de la esquina.
¿Cómo va el proyecto de la adaptación de Invasor?
Según tengo entendido, están trabajando en una nueva versión del guión. Pregunto solo lo justo, no quiero molestar a otros creadores en su proceso. Pero deseo con todas mis fuerzas sentarme un día en la butaca de un cine y verla.
¿Qué opinión le merece que las televisiones apuesten más por los programas tele-basuras con pseudo-periodistas?
Las palabras lo definen: tele basura y pseudo periodistas. Es repulsivo e indigno. Mi militancia contra ello es que jamás miro ese tipo de programas. Están vetados en mi vida.
Empezó su carrera escribiendo guiones para televisión y terminó siendo escritor ¿qué le hizo cambiar de opinión?
Siempre quise contar mis propias historias sin injerencias externas. La televisión es lo peor para un escritor, todo el mundo opina, todo el mundo sabe, todo el mundo manda. Cuando gané el Nadal lo primero que me prometí es que no volvería a hacer televisión a menos que fuera con el control creativo absoluto. Como eso es una contradicción con el medio, no he vuelto a la televisión.
¿A qué cree que se debe la crisis del cine español? ¿Qué le parecen los guiones cinematográficos que se hacen actualmente?
Creo que lo más significativo es que se están produciendo cambios para mejor. El año pasado hubo grandes éxitos de taquilla, películas de calidad. Creo que el espectador español está deseando ir a ver películas españolas que le gusten pero, por lo que sea, esas películas no surgen habitualmente.
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¿Ha leído la obra de la finalista María Tena con La fragilidad de las panteras?
Estoy en ello. Pero la gira, y otras cosas en las que ando, apenas me dejan tiempo para una media de una página al día, con lo cual creo que esperaré a terminar todo esto para leerla con calma.
En este libro, ¿qué parte autobiográfica y que parte es ficción?
Un buen amigo dice que he hecho ficción a partir de mis fantasmas. Creo que es muy adecuado. Es una novela que surge de mis oscuridades, pero desde ahí hay que alzarse para dar al lector más. Yo conté una historia real con fantasmas. Se puede mantener relaciones sexuales con un fantasma. Yo lo he hecho, y lo cuento.
¿Qué opina de las críticas que recibe, cree que todas están fundadas en sus obras literarias o algunas se crean a través de la opinión sobre su persona?
En estos tiempos del reinado de Internet opina todo el mundo en blogs, etc. A veces, de forma un poco agresiva con los libros y los autores. Pienso que es sano no hacer demasiado caso. Y con las críticas igual. Si son buenas, estupendo. Y si no, pues un poco menos estupendo pero muy llevable. Un escritor solo debe preocuparse de lo que escribe él. Lo demás, sea positivo o negativo, da en realidad igual.
¿Qué opina del fenómeno literario Crepúsculo?
No me interesa como literatura, pero siempre tengo un respeto a quien se atreve a romper moldes para adentrarse en algo nuevo, como pueden ser estos vampiros limpios y buenos. Me repatean como admirador de Bram Stoker, pero los observo.
¿Cuáles son sus autores de referencia?
Hoy, Cormac McCarthy y E.L. Doctorow. En el pasado muchos, los de todos: Stevenson, Conrad, Borges…
¿Cree que con los libros digitales se conseguirán más lectores?
Creo que cambiarán el mercado tal y como lo conocemos, lo revolucionarán, lo están haciendo ya. No se puede decir qué pasará con exactitud. ¿Más lectores, menos lectores…? No se sabe. Pero los cambios serán sustanciales y están a la vuelta de la esquina.
¿Cómo va el proyecto de la adaptación de Invasor?
Según tengo entendido, están trabajando en una nueva versión del guión. Pregunto solo lo justo, no quiero molestar a otros creadores en su proceso. Pero deseo con todas mis fuerzas sentarme un día en la butaca de un cine y verla.
¿Qué opinión le merece que las televisiones apuesten más por los programas tele-basuras con pseudo-periodistas?
Las palabras lo definen: tele basura y pseudo periodistas. Es repulsivo e indigno. Mi militancia contra ello es que jamás miro ese tipo de programas. Están vetados en mi vida.
Empezó su carrera escribiendo guiones para televisión y terminó siendo escritor ¿qué le hizo cambiar de opinión?
Siempre quise contar mis propias historias sin injerencias externas. La televisión es lo peor para un escritor, todo el mundo opina, todo el mundo sabe, todo el mundo manda. Cuando gané el Nadal lo primero que me prometí es que no volvería a hacer televisión a menos que fuera con el control creativo absoluto. Como eso es una contradicción con el medio, no he vuelto a la televisión.
¿A qué cree que se debe la crisis del cine español? ¿Qué le parecen los guiones cinematográficos que se hacen actualmente?
Creo que lo más significativo es que se están produciendo cambios para mejor. El año pasado hubo grandes éxitos de taquilla, películas de calidad. Creo que el espectador español está deseando ir a ver películas españolas que le gusten pero, por lo que sea, esas películas no surgen habitualmente.
Durante el mes de abril el mundo de la música ha vivido uno de sus grandes y funestos aniversarios. El día 5 se cumplieron 16 años de la muerte de Kurt Cobain. Cantante maldito e ídolo de masas el vocalista de Nirvana no dudo en introducir una escopeta en su garganta y acabar con su sufrimiento. Su vida terminaba y nacía un nuevo mártir del rock. Su leyenda ha sido alimentada durante años. Esto y la innovación a la hora de tocar hace que el grupo todavía tenga miles de seguidores.
Para aquellos que contábamos con poca edad en la época en que triunfo Nirvana la magia de los DVD nos hace revivir sus conciertos. Uno de los más aclamados fue el Umplugged in New York. Este concierto acústico fue grabado en los estudios de Sony Music en el 93, lanzado en noviembre del 94 a través de la MTV y editado en DVD en el 2007. Hoy hacemos una crónica de esta actuación que nos hace disfrutar de uno de los momentos más íntimos del grupo.
En un ambiente casi onírico vemos a los miembros de la banda sentados en sillas sobre una plataforma. Flores, velas y grandes cortinas les acompañan. Kurt Cobain saluda y pregunta dónde está la púa de su guitarra. La música comienza a sonar y la magia a fluir. La primera canción corresponde a su primer álbum, About a girl suena mucho más relajada gracias a unos acordes de guitarra más cuidados y un ritmo de batería mucho más suave del que nos tiene acostumbrados la banda.
Tras los aplausos escuchamos los acordes de Come as you are del segundo disco, el que les llevó a la fama. De nuevo un interpretación con acordes más suaves que contrastan con la voz desgarrada del cantante. Al finalizar suena un violonchelo y un acordeón y el grupo interpreta una canción de The Vaselines (Jesús doesn´t want me for a subbeam) y otra de David Bowie (The man who sold the world).
Tras varias bromas entre los miembros del grupo Cobain decide tocar sólo la siguiente canción. Su voz y la guitarra componen una versión de Pennyroyal Tea completamente diferente a la que escuchábamos en el disco. Con las luces algo más bajas Cobain consigue de nuevo arrancarnos el aplauso. Esta vez el descanso es algo más largo. Un cigarro, pruebas de sonido y nervios cuando Cobain se acerca brevemente al público.
De nuevo suenan las guitarras. Casi no hay batería para interpretar Dumb y Polly, dos de sus grandes éxitos. On my plain por su tono más alegre nos aporta la positividad que nos arrebata Something in the way, canción que pertenece a uno de los álbumes más oscuros del grupo. Y de nuevo un cambio en el ritmo del concierto. Un descanso más amplio entre canciones con chistes entre la banda, un cigarro y un cambio entre los colaboradores.
Los hermanos Meat Puppets suben al escenario. Tras casi diez minutos de pruebas de sonido y una extraña versión de Sweet Home Alabama, se reinicia el concierto. Serán tres canciones las que suenen con los hermanos en el escenario: Plateau, Lake of fire y Oh, me. Normalmente escuchamos estas canciones a dos voces un con un estilo cercano al Country. Esta vez las escuchamos sin guitarras eléctricas y casi sin batería cantadas lentamente.
Sin parar la siguiente canción vuelve a ser una de las pertenecientes al primer disco del Grupo. All apologies no parece distinta de la versión del disco, el mismo ritmo con menos batería. Una vuelta a los orígenes. Al final de la canción el grupo debate sobre qué canción es la siguiente. Tras el anuncio de que va a ser la última el público se anima y comienza a gritar. Rape me es una de las más demandadas.
Tras mandar a todos al diablo Kurt toca una canción de Lead Belly. La canción de este autor de folk se convierte en una pieza oscura en la que de nuevo el cantante hace uso de sus registros más altos que más se acercan a la suplica que a la música. Al finalizar la canción, con un simple gracias el grupo abandona el escenario. El público aplaude y mientras Kurt firma unos cuantos autógrafos hasta que acaba su cigarrillo y sale de la habitación. En este momento el fundido en negro nos saca del concierto para llevarnos al sofá de nuestra casa o al lugar en el que estemos.
Transiciones muy suaves entre los planos, primeros planos a los diferentes componentes en los momentos indicados y planos muy amplios nos hacen tener una visión global de todo el conjunto central. La atención se centra en la música y en el grupo, sin imágenes del público. Gracias a la buena realización conseguimos la sensación de estar dirigiendo la mirada donde está lo importante en cada momento. Con las nuevas tecnologías conseguimos disfrutar íntegramente de un concierto que sólo fue pensado para unos pocos.
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Una de las formas en las que podemos disfrutar de la cultura en los medios de comunicación es a través de los documentales, un género que nació prácticamente con el cine pues, en sí, las primeras grabaciones eran escenas de la vida real. Y fueron los hermanos Lumiere los pioneros de lo que más tarde se convertiría en documental, aunque también apostaron por otros estilos.
Ya entrados en el siglo XX, aparecieron grandes producciones documentales. Se considera el primer documento de este tipo Nanook of the North (1921) del cineasta estadounidense Robert Flaherty, también catalogado como primer documentalista. Un dato curioso es que tuvo que rodar dos veces las imágenes, ya que perdió todo el material debido a un incendio en el laboratorio.
Nanook el esquimal (1921)
El Hombre de la Cámara (1929) del soviético Dziga Vertov (pseudónimo de Denis Abramovich Kaufman) que muestra la vida de un trabajador soviético, un camarógrafo en busca de imágenes. Se trata de un trabajo no solo documental sino también artístico. Vertov crea constantes cambios de escena, planos, fundidos... una experimentación como no se había dado nunca anteriormente. Pero es, además, un tipo de documental llamados en la época “urbanos”. Esa misma etiqueta tenían otras producciones documentales como Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927), de Walter Ruttmann, o Lluvia (1929) de Joris Ivens.
El hombre de la cámara (1929)Berlin, sinfonía de una gran ciudad (1927)
Fue una época, esta de las primeras décadas del siglo, muy buenas para el documental, muestra de ello es otro trabajo: El Río (1938) del también estadounidense Pare Lorentz, pero a medida que los estudios de cine vieron en las películas de ficción el verdadero negocio, los documentales fueron perdiendo espacio en las salas de cine. Y no fue hasta la aparición de la Televisión cuando volvió este género a tomar peso. Eso sí, modificando su estructura, su duración, y al menos, su lenguaje, para adaptarse a este nuevo medio de comunicación. Se perdía el tempo que proporciona el cine, pero se ganaba en difusión.
El Río (1938)
Así, ya con la televisión, fueron las productoras como la británica National Geographic o la Transtel alemana las que más apostaron por el género, traduciendo sus trabajos a varios idiomas y facilitando así su venta a distintos países.
Pero si nos acercamos más a nuestra época contemporánea, han aparecido televisiones que se dedican exclusivamente a el género documental, como el caso de Discovery Channel, canal Historia, el germano francés ARTE, y en nuestro país espacios consagrados como fue en su momento los programas del naturalista Féliz Rodríguez de la Fuente, o espacios como Documentos TV, y otras muchas grabaciones que son en sí reportajes pero se consideran documentales.
En los últimos años, las creaciones de Michael Moore le han dado un nuevo impulso al género documental. Tras darse a conocer con Roger & Me, un trabajo sobre las prácticas de General Motors para abaratar costes, Moore siguió esa tendencia crítica con Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11. Su más reciente obra: Capitalism, a love Story, se pudo ver en los cines- Y desde esta semana algunas salas proyectan Océanos, una superproducción con la que nos pretenden concienciar sobre el cuidado de nuestros ecosistemas, al igual que ya hicieran con Planeta Tierra.
Capitalismo: una historia de amor (2009)La obra Cupido y Psique (1899) de William Bouguereau, pintor francés del siglo XIX, ha sido vendida en la casa de subastas Sotheby’s por 2.210.500 dólares (1,651 millones de euros). La pintura es una de las tres únicas versiones en las que el autor plasmó la figura de los amantes en forma de adultos, pues en otros cuadros de la misma temática recurrió a querubines o niños para explicar esta leyenda mitológica. A parte de las obras del pintor francés, Sotheby’s ha subastado La hija del granjero (1887). Este lienzo pertenece a Elizabeth Jane Gardner, esposa de Bouguereau. La pintura se ha vendido por 369.000 euros, un precio superior a su valor real estimado en 150.000 euros.
Cupido y Psique una de las obras subastada en Sotheby`s.
Cupido y Psique una de las obras subastada en Sotheby`s.
Óleo sobre lienzo. William Bouguereau. 1899. Fuente: es.globedia.com
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Juan José Laguardia nació en la localidad zaragozana de La Almunia de Doña Godina hace 30 años. Desde muy pequeño se sintió atraído por el arte escénico. Las representaciones en los colegios fueron sus inicios en el mundo de la interpretación. Curso sus estudios de artes dramáticos en Zaragoza y consiguió crear una pequeña compañía teatral con algunos de sus compañeros de estudios, llamada ‘Arte en la calle’. Por lo general se dedican al teatro callejero, aunque también participan en actuaciones en teatros. Laguardia y sus compañeros se encuentran en Soria, dentro de una gira por España que están realizando.
¿En qué consiste la gira por España?
Bueno, en esta gira vamos a centrarnos en exclusiva en el teatro callejero. Queremos que la gente lo pase bien y lo que hacemos son representaciones cercanas, para todos los públicos y en las que pueden participar los espectadores.
¿Podrías poner un ejemplo de lo que hacéis?
Una de las cosas que hacemos es un pequeño espectáculo de policías y ladrones. Los ladrones se esconden entre el público, especialmente allí donde hay más niños y los policías interactúan con los espectadores, les paran, les preguntan. A los más pequeños les encanta porque siempre se acercan a los actores que hacen de policías para decirles donde están los malos. La verdad es que es muy gracioso.
¿Cuáles son las ciudades por las que habéis pasado ya?
De momento hemos estado en Zaragoza y aquí en Soria. Estaremos de gira hasta julio y pensamos pasar por Barcelona, Valencia, Sevilla y Granada. Luego si nos animamos ya veremos si vamos a algún sitio más, pero de momento el proyecto es ese.
¿Qué es lo más destacado de vuestro espectáculo?
Yo diría que lo más destacado es el contacto con el público. En un teatro te subes al escenario e interpretas, pero no conectas igual con el público. Es como si hubiera una barrera entre espectador y actor, una línea invisible que no se puede traspasar. Aquí interactúas con ellos, les metes en la actuación de lleno. Ellos son parte del espectáculo y lo agradecen. Lo cierto es que esa conexión con el público nos deja muy satisfechos.
¿El público está respondiendo bien?
Sí, muy bien. Participan en el espectáculo y se animan a verlo entero en muchos casos. Hay que reconocer que a veces somos un poco pesados. Paramos a la gente por la calle y eso puede molestar, pero de momento parece que todos se lo toman con muy buen sentido del humor.
¿Tenéis ya algún otro proyecto en mente?
Buff, de momento tenemos trabajo para una buena temporada. La verdad es que preferimos no agobiarnos con esto. De aquí a junio ya iremos pensando algo para hacer, pero por ahora vamos a centrarnos en la gira por España, que bastante tenemos con eso.
¿Qué es lo que te llevó a dedicarte al teatro?
Todo. Desde que era muy pequeño me encantaba imaginar que era otra persona. Era un caballero, un vaquero o cualquier otra cosa. Luego empecé a participar en todas las representaciones teatrales del colegio y conforme me iba haciendo mayor me iba dando más cuenta de que lo que quería hacer era ser actor de teatro. Me atrevería a afirmar que no se entendería mi vida sin el teatro.
¿Y la familia lo entendió?
Mucho más que eso. Siempre he tenido detrás a mis padres. La verdad es que en los momentos malos me han apoyado mucho. No sólo respetaron mi decisión sino que me ayudaron a llegar a alcanzar mi sueño. Les debo mucho y les estoy muy agradecido.
¿Cómo ves la situación actual del teatro en España?
Yo diría que está mejor que hace algunos años. Hay actores muy buenos y muchas obras que interpretar. Desde luego, la imagen que se tiene de nosotros ha mejorado mucho en los últimos años. En este país siempre ha habido muy buenos actores y eso se nota.
¿Qué supone para ti actuar en Soria?
Siempre he tenido relación con esta ciudad. Mi tío vive aquí desde hace años y he pasado algunos veranos en la ciudad. Me gusta mucho, es muy acogedora y bonita. Actuar en estas calles es algo diferente. Están llenas de historias que contar y parece que al pisarlas ya te dicen algo. De todas formas, tengo que añadir que uno de mis sueños era actuar en Zaragoza y tuve la gran suerte de poder realizarlo.
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¿En qué consiste la gira por España?
Bueno, en esta gira vamos a centrarnos en exclusiva en el teatro callejero. Queremos que la gente lo pase bien y lo que hacemos son representaciones cercanas, para todos los públicos y en las que pueden participar los espectadores.
¿Podrías poner un ejemplo de lo que hacéis?
Una de las cosas que hacemos es un pequeño espectáculo de policías y ladrones. Los ladrones se esconden entre el público, especialmente allí donde hay más niños y los policías interactúan con los espectadores, les paran, les preguntan. A los más pequeños les encanta porque siempre se acercan a los actores que hacen de policías para decirles donde están los malos. La verdad es que es muy gracioso.
¿Cuáles son las ciudades por las que habéis pasado ya?
De momento hemos estado en Zaragoza y aquí en Soria. Estaremos de gira hasta julio y pensamos pasar por Barcelona, Valencia, Sevilla y Granada. Luego si nos animamos ya veremos si vamos a algún sitio más, pero de momento el proyecto es ese.
¿Qué es lo más destacado de vuestro espectáculo?
Yo diría que lo más destacado es el contacto con el público. En un teatro te subes al escenario e interpretas, pero no conectas igual con el público. Es como si hubiera una barrera entre espectador y actor, una línea invisible que no se puede traspasar. Aquí interactúas con ellos, les metes en la actuación de lleno. Ellos son parte del espectáculo y lo agradecen. Lo cierto es que esa conexión con el público nos deja muy satisfechos.
¿El público está respondiendo bien?
Sí, muy bien. Participan en el espectáculo y se animan a verlo entero en muchos casos. Hay que reconocer que a veces somos un poco pesados. Paramos a la gente por la calle y eso puede molestar, pero de momento parece que todos se lo toman con muy buen sentido del humor.
¿Tenéis ya algún otro proyecto en mente?
Buff, de momento tenemos trabajo para una buena temporada. La verdad es que preferimos no agobiarnos con esto. De aquí a junio ya iremos pensando algo para hacer, pero por ahora vamos a centrarnos en la gira por España, que bastante tenemos con eso.
¿Qué es lo que te llevó a dedicarte al teatro?
Todo. Desde que era muy pequeño me encantaba imaginar que era otra persona. Era un caballero, un vaquero o cualquier otra cosa. Luego empecé a participar en todas las representaciones teatrales del colegio y conforme me iba haciendo mayor me iba dando más cuenta de que lo que quería hacer era ser actor de teatro. Me atrevería a afirmar que no se entendería mi vida sin el teatro.
¿Y la familia lo entendió?
Mucho más que eso. Siempre he tenido detrás a mis padres. La verdad es que en los momentos malos me han apoyado mucho. No sólo respetaron mi decisión sino que me ayudaron a llegar a alcanzar mi sueño. Les debo mucho y les estoy muy agradecido.
¿Cómo ves la situación actual del teatro en España?
Yo diría que está mejor que hace algunos años. Hay actores muy buenos y muchas obras que interpretar. Desde luego, la imagen que se tiene de nosotros ha mejorado mucho en los últimos años. En este país siempre ha habido muy buenos actores y eso se nota.
¿Qué supone para ti actuar en Soria?
Siempre he tenido relación con esta ciudad. Mi tío vive aquí desde hace años y he pasado algunos veranos en la ciudad. Me gusta mucho, es muy acogedora y bonita. Actuar en estas calles es algo diferente. Están llenas de historias que contar y parece que al pisarlas ya te dicen algo. De todas formas, tengo que añadir que uno de mis sueños era actuar en Zaragoza y tuve la gran suerte de poder realizarlo.
No se llenó la plaza para ver el concurso de recortadores. El sol hizo que la temperatura fuera muy agradable y los espectadores pudieron concentrarse por completo en lo que sucedía en el ruedo. Y lo que sucedía en la arena era un espectáculo impresionante, pero que resultaba demasiado monótono y sin intensidad. No es que los concursantes no se esforzaran, pero desde luego no llegaron a conectar con el público.
El ambiente de la grada no era el más animado y eso restó fuerza a los saltos de los recortadores. Además, muchos de los participantes repetían el mismo gesto técnico para esquivar al toro, y aunque resultaba llamativo la primera vez no despertaba el mismo interés en el resto de ocasiones.
Es de justicia reconocer a los concursantes que trataron de levantar el ánimo de la grada saltando por encima del astado y realizando piruetas para caer de nuevo de pie. El nivel de todos ellos era muy alto. Pero en las gradas reinaba un ambiente más propio de un velatorio y eso deslució mucho el espectáculo.
Los toros tampoco eran precisamente los más bravos. Comenzaban con fuerza, pero acaban también sumidos en el aburrimiento general que se respiraba en la plaza. En definitiva, los concursantes le pusieron voluntad, pero en el espectáculo faltó algo más de fuerza.
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El ambiente de la grada no era el más animado y eso restó fuerza a los saltos de los recortadores. Además, muchos de los participantes repetían el mismo gesto técnico para esquivar al toro, y aunque resultaba llamativo la primera vez no despertaba el mismo interés en el resto de ocasiones.
Es de justicia reconocer a los concursantes que trataron de levantar el ánimo de la grada saltando por encima del astado y realizando piruetas para caer de nuevo de pie. El nivel de todos ellos era muy alto. Pero en las gradas reinaba un ambiente más propio de un velatorio y eso deslució mucho el espectáculo.
Los toros tampoco eran precisamente los más bravos. Comenzaban con fuerza, pero acaban también sumidos en el aburrimiento general que se respiraba en la plaza. En definitiva, los concursantes le pusieron voluntad, pero en el espectáculo faltó algo más de fuerza.
Han pasado ya 100 años de la muerte del escritor que creó Las aventuras de Huckleberry Finn, el estadounidense Mark Twain. Coincidiendo con este centenario, la casa de subastas Sothby’s ha anunciado que el próximo 17 de junio se venderá un texto de 65 páginas escrito por el autor donde detallaba recuerdos íntimos de su familia.
Samuel Langhorne Clemens, nombre verdadero del escritor, escribió estas páginas en honor a su hija mayor (Susy) que falleció en 1896, cuyo título era “A family sketch” (esbozo de una familia). Estos párrafos evolucionaron hasta llegar a incluir recuerdos de sus parientes y amigos, incluso cuando era niño. Estos textos están valorados entre 120.000 y 160.000 dólares (aproximadamente entre 90.000-120.000 euros) y según los expertos de la firma son “unas memorias introspectivas de su familia y de sus propios días de infancia, el capítulo perdido de su autobiografía”.A parte de estos textos, la casa también subastará otros lotes como por ejemplo una carta de 1968 que Twain escribió para su futuro suegro en donde le explicaba de su capacidad para el matrimonio. Hay otras misivas referentes a su esposa y otra de 1893 que envió a Robert Louis Stevenson en donde Twain le agradece la creación de La isla del tesoro. Entre los objetos subastados, también se incluyen un resumen de su testamento, una fotografía del hijo de Twin que murió a los 19 meses de edad y los registros de la casa funeraria que recogió el cadáver de su hija y, más tarde, el del propio escritor.
El mercado medieval de la ciudad de Soria finalizó la edición de este año con unas cifras de participación más elevadas que las del año anterior. Hubo más puestas comerciales que en las anteriores ediciones y el puente permitió que los turistas participaran en el mercado, lo que hizo que aumentara el número de ventas.
Los juegos infantiles y las actividades interactivas, como el tiro con arco, fueron algunos de los puntos más destacados del evento. También los puestos de cata de vino o embutidos tuvieron gran aceptación, sin olvidar las tabernas que se instalaron en la plaza de San Esteban y que permanecieron abiertas hasta bien entrada la noche.
Los comerciantes se mostraron satisfechos por la participación ciudadana y el aumento de las ventas. “Hemos vendido casi todo. La gente se ha animado a ver el mercado y también a comprar los productos”, señaló el tendero de un puesto de queso artesanal.
Los espectáculos callejeros que acompañaron al mercado convirtieron el centro de la capital en una ciudad medieval y llena de vida. Lo que más gustó entre los vecinos fue el extraño vehículo a pedales y el actor que hacía de vigilante de seguridad de la compañía de teatro. Pero lo que sin duda dejó atónitos los sorianos fueron los cuatro camellos que realizaban viajes con pasajeros entre la plaza Mayor y la de Ramón Benito Aceña. Más de un vecino se tuvo que frotar los ojos al ver aparecer los enormes animales por las ventanas del bar en el que tomaba un aperitivo.
A la vista del resultado de esta edición del mercado medieval, los organizadores explicaron que, si todo va bien, volverán a repetir el próximo año incluyendo alguna novedad pero manteniendo el formato.
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Los juegos infantiles y las actividades interactivas, como el tiro con arco, fueron algunos de los puntos más destacados del evento. También los puestos de cata de vino o embutidos tuvieron gran aceptación, sin olvidar las tabernas que se instalaron en la plaza de San Esteban y que permanecieron abiertas hasta bien entrada la noche.
Los comerciantes se mostraron satisfechos por la participación ciudadana y el aumento de las ventas. “Hemos vendido casi todo. La gente se ha animado a ver el mercado y también a comprar los productos”, señaló el tendero de un puesto de queso artesanal.
Los espectáculos callejeros que acompañaron al mercado convirtieron el centro de la capital en una ciudad medieval y llena de vida. Lo que más gustó entre los vecinos fue el extraño vehículo a pedales y el actor que hacía de vigilante de seguridad de la compañía de teatro. Pero lo que sin duda dejó atónitos los sorianos fueron los cuatro camellos que realizaban viajes con pasajeros entre la plaza Mayor y la de Ramón Benito Aceña. Más de un vecino se tuvo que frotar los ojos al ver aparecer los enormes animales por las ventanas del bar en el que tomaba un aperitivo.
A la vista del resultado de esta edición del mercado medieval, los organizadores explicaron que, si todo va bien, volverán a repetir el próximo año incluyendo alguna novedad pero manteniendo el formato.
Tim Burton está arrasando la taquilla con su versión del cuento de Alicia en el país de las maravillas en 3D. Quizás una de las versiones más famosas fue la creada por Walt Disney en 1951, aunque su primera adaptación fue en 1903. Pero este famoso libro nació bastantes años atrás donde hubo una Alicia de carne y hueso que conoció las aventuras de su homóloga una tarde de verano a manos de Lewis Carroll, creador del cuento. Esta obra está llena de alusiones satíricas a los amigos del autor, a la educación inglesa y a los temas políticos de la época. En el libro, una joven niña se cae por una madriguera al perseguir al conejo blanco; dentro vivirá múltiples aventuras y se cruzará con el enigmático Gato de Cheshire, con el Sombrerero Loco y jugará al croquet con la Reina de Corazones.
Fue un matemático, sacerdote anglicano y escritor británico con el nombre de Charles Lutwidge Dodgson (más conocido por su pseudónimo Lewis Carroll) quien inventó las aventuras oníricas de esta joven niña. Todo comenzó un 4 de julio de 1862 en un paseo en barco por el río Támesis. Carroll iba acompañado por el reverendo Robinson Duckworth y por las tres hermanas Liddell: Lorina Charlotte (13 años), Alice (10) y Edith (8). Según testimonios de la propia Alice, ese día de verano hacía tanto calor que se fueron a la orilla del río a descansar a la sombra de unos almiares. Lewis relató una serie de historias divertidas y disparadas a las que llamó “Las aventuras subterráneas de Alicia”, todas ellas improvisadas aunque a las niñas les encantó, sobre todo a Alice.
Más tarde, en noviembre del mismo año, Lewis Carroll empezó a escribir el manuscrito con todas aquellas historias, promovido por la gran insistencia de las niñas. Terminó de escribir en febrero de 1863 y seguidamente se puso con las ilustraciones hasta septiembre de 1864. El autor incluyó en la última página y retrato ovalado de Alice Liddell. Después de desarrollar el manuscrito hasta la versión definitiva, convenció al ilustrador profesional John Tenniel para que hiciera las ilustraciones, que terminaron siendo 42.
Después de tenerlo todo hecho, Carroll buscó un título más acorde para el libro y decidió que sería Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas. Tras una primera tirada cuyas impresiones no convencieron a Tenniel, se preparó una nueva edición para Londres en otoño de 1865 (aunque en el libro pone 1866). Este cuento ganó mucha popularidad en poco tiempo y pronto empezaron las traducciones al alemán y al francés. Sólo se conservan 23 copias de la primera edición, de las cuales 17 pertenecen a distintas bibliotecas.
A este libro le sigue una segunda parte menos conocida para el público, aunque en algunas de sus adaptaciones se mezclan elementos de ambos libros. Este cuento lleva por nombre A través de espejo y lo que Alicia encontró allí. En esta segunda parte, Alicia jugará una loca partida de ajedrez en donde será un peón que intentará ganar a la malvada Reina de Corazones. Hay que destacar que a lo largo del libro se incluye un poema titulado Jabberwocky. Es considerado uno de los mejores poemas escritos en inglés, aunque carente de sentido. Carroll inventó y fusionó numerosas palabras en estos párrafos como chortled o galumphing. Algunos de estos vocablos fueron incorporados al inglés y, de hecho, la palabra jabberwocky se utiliza para referirse al lenguaje sin sentido. En la película de Disney, el Gato de Cheshire canta la primera estrofa del poema pero con la traducción cambiada al español.
Fue un matemático, sacerdote anglicano y escritor británico con el nombre de Charles Lutwidge Dodgson (más conocido por su pseudónimo Lewis Carroll) quien inventó las aventuras oníricas de esta joven niña. Todo comenzó un 4 de julio de 1862 en un paseo en barco por el río Támesis. Carroll iba acompañado por el reverendo Robinson Duckworth y por las tres hermanas Liddell: Lorina Charlotte (13 años), Alice (10) y Edith (8). Según testimonios de la propia Alice, ese día de verano hacía tanto calor que se fueron a la orilla del río a descansar a la sombra de unos almiares. Lewis relató una serie de historias divertidas y disparadas a las que llamó “Las aventuras subterráneas de Alicia”, todas ellas improvisadas aunque a las niñas les encantó, sobre todo a Alice.
Más tarde, en noviembre del mismo año, Lewis Carroll empezó a escribir el manuscrito con todas aquellas historias, promovido por la gran insistencia de las niñas. Terminó de escribir en febrero de 1863 y seguidamente se puso con las ilustraciones hasta septiembre de 1864. El autor incluyó en la última página y retrato ovalado de Alice Liddell. Después de desarrollar el manuscrito hasta la versión definitiva, convenció al ilustrador profesional John Tenniel para que hiciera las ilustraciones, que terminaron siendo 42.
Después de tenerlo todo hecho, Carroll buscó un título más acorde para el libro y decidió que sería Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas. Tras una primera tirada cuyas impresiones no convencieron a Tenniel, se preparó una nueva edición para Londres en otoño de 1865 (aunque en el libro pone 1866). Este cuento ganó mucha popularidad en poco tiempo y pronto empezaron las traducciones al alemán y al francés. Sólo se conservan 23 copias de la primera edición, de las cuales 17 pertenecen a distintas bibliotecas.A este libro le sigue una segunda parte menos conocida para el público, aunque en algunas de sus adaptaciones se mezclan elementos de ambos libros. Este cuento lleva por nombre A través de espejo y lo que Alicia encontró allí. En esta segunda parte, Alicia jugará una loca partida de ajedrez en donde será un peón que intentará ganar a la malvada Reina de Corazones. Hay que destacar que a lo largo del libro se incluye un poema titulado Jabberwocky. Es considerado uno de los mejores poemas escritos en inglés, aunque carente de sentido. Carroll inventó y fusionó numerosas palabras en estos párrafos como chortled o galumphing. Algunos de estos vocablos fueron incorporados al inglés y, de hecho, la palabra jabberwocky se utiliza para referirse al lenguaje sin sentido. En la película de Disney, el Gato de Cheshire canta la primera estrofa del poema pero con la traducción cambiada al español.
Después del éxito de las aventuras de la pequeña Alicia, Tim Burton se ha lanzado también a las librerías haciendo su propio libro sobre este cuento y, además, una novela gráfica en donde se encuentran algunos de los dibujos de Lewis Carroll.
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‘Mi madre, Serrat y yo’ es la nueva obra teatral de Carlos de Matteis que girará en torno a la relación de una madre y una hija en la que las canciones de Joan Manuel Serrat tendrán una gran influencia. La obra, que se estrena el 23 de abril, ofrece una historia cargada de humanidad y sorpresas.
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El artista presentó su obra ‘Espinete no existe’, de la que es productor, creador e intérprete. Se trata de una comedia nostálgica sobre la infancia y las pequeñas cosas que han marcado a varias generaciones. Aldan trata, durante los 90 minutos que dura la obra, de volver atrás en el tiempo para mostrar el lado más oscuro de la infancia con una curiosa perspectiva.
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A pesar de la gran promoción que acompañó a la película de James Cameron, de la que decían que cambiaría la forma de entender el cine, la nueva producción de Disney ha conseguido una mayor recaudación en el primer fin de semana en la cartelera española. 'Alicia en el país de las maravillas' alcanza los 7,45 millones de euros. Esta película de Tim Burton ha conseguido reflotar los beneficios de los cines, que la pasada semana habían experimentado fuerte caída. 663 cines han estrenado este film protagonizado por Johnny Depp y Mia Wasikowska. De ellos 222 lo hacía en el formato 3D, consiguiendo 554.000 espectadores, lo que se traduce en unos 80.000 más de los que atrajo Avatar. Este dato ha supuesto un 69% de los ingresos totales, añadiéndole los 120.000 euros conseguidos en los cines IMAX.
Hacía tiempo que la factoría Disney no conseguía un estreno tan rentable, sobre todo porque en este caso lucha en un segmento distinto de público. Cabe señalar, que los que se han acercado a ver este film durante el fin de semana no han sido principalmente niños, sino amantes de la fantasía y fans del director (Tim Burton), así como jóvenes entre 25 y 30 años.
Por eso, ante tal magnitud sólo se han atrevido a estrenar tímidamente algunas películas como Desde París con amor, la última apuesta de John Travolta, una de acción trepidante que ha conseguido mejores cifras de las esperadas, pero nada destacable. En cualquier caso las cifras revelan que este fin de semana la cartelera ha tenido un sabor a Tim Burton, mezclado con Disney y con la guinda de un Johnny Depp que nunca falla. Los expertos aseguran que el formato le va a permitir a Alicia mantenerse en buenas cifras mientras esté en cartel.
Los gigantes y cabezudos del barrio de San Pedro volvieron a aportar espectáculo durante la ‘Operación Bocata’ organizada por Manos Unidas. La novedad de este año son las nuevas figuras que desfilaron, entre ellas el famoso Popeye. El dinero recaudado en la venta de los bocadillos solidarios se empleará en reconstruir un colegio de la India.
Los gigantes que representan a Alfonso VIII y Leonor de Plantagenet también reaparecieron tras pasar seis meses en el taller de Irún del artesano Javier Gárate siendo sometidos a un proceso de personalización para mejorar la expresión de sus rostros.
La comparsa de gigantes y cabezudos, que depende de la Asociación de Vecinos de San Pedro, lleva varios años colaborando con Manos Unidos en la ‘Operación Bocata’, lo que animó a la agrupación vecinal a presentar los nuevos personajes durante esta actividad.
Un dato curioso del desfile fue la participación del gigantero más joven de la provincia soriana, un niño de 5 años que portaba una figura de 1’60 metros de altura.
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Los gigantes que representan a Alfonso VIII y Leonor de Plantagenet también reaparecieron tras pasar seis meses en el taller de Irún del artesano Javier Gárate siendo sometidos a un proceso de personalización para mejorar la expresión de sus rostros.
La comparsa de gigantes y cabezudos, que depende de la Asociación de Vecinos de San Pedro, lleva varios años colaborando con Manos Unidos en la ‘Operación Bocata’, lo que animó a la agrupación vecinal a presentar los nuevos personajes durante esta actividad.
Un dato curioso del desfile fue la participación del gigantero más joven de la provincia soriana, un niño de 5 años que portaba una figura de 1’60 metros de altura.
El MOMA ha elaborado una colección de arte dedicada a Tim Burton. En honor al estreno de su nueva película, Alicia en el país de las maravillas, hemos recorrido virtualmente las salas de esta muestra que enseña un mundo fantástico creado por imaginativa mente de este director.
Se abre la pantalla en blanco y negro y vemos, una espiral. ¿Dónde estamos? En un laberinto. Usual icono que aparece en las películas de Tim Burton, desde Eduardo Manostijeras hasta su último estreno, Alicia en el País de las Maravillas. La hélice bicolor nos invita a iniciar un divertido y lunático paseo por el mundo de gótico de Burtonlandia.
Un pequeño muñeco metálico hincha un globo negro, a la velocidad que sus brazos de hojalata se lo permiten. La humareda que crea su explosión da paso al inicio de la exposición virtual que ha elaborado el MOMA de Nueva York sobre el director de cine más extravagante del momento, Tim Burton.
Por si acaso aún no estamos muy ubicados, unas escaleras que terminan en la nada y una música de fondo, que recuerda a los sonidos de una feria destartalada, indican que se va a entrar en un mundo mezcla de fantasía y pesadillas. En donde los monstruos, las calaveras y la muerte harán de guía. Todo ello, con un toque de humor negro característico de este director californiano.
Página de inicio de la exposición virtual sobre Tim Burton. Fuente: MOMA
La primera parada es en el apartado Exhibition. Aquí podemos leer una breve biografía del director. Además, se explica los objetivos que Ron Magliozzi, comisario de la exposición, ha tenido al crear esta muestra.
Seguidamente, continuamos el recorrido por Behind The Scenes, en donde miembros del MOMA, como Albert Cuellar, explican a través de cinco videos como se han construido las partes más importantes de la exposición: la recreación de los decorados de Eduardo Manostijeras, una explicación sobre las esculturas que ha elaborado el propio Burton para esta colección o la creación de un globo gigante con la forma de Toxic Boy, personaje de la colección de poemas La melancólica muerte del Chico Ostra.
Este es uno de los videos que aparecen en la sección Behind The Scenes. Fuente: MOMA
Lo que ha hecho famoso a este director es su estética, mezcla entre lo extravagante, la muerte y los monstruos. Este conjunto se une en los personajes y el ambiente de sus películas. Por ello, la siguiente sección que visitamos es Films. En este apartado encontramos una pequeña muestra de objetos y carteles relacionados con películas como Beetlejuice, Batman y proyectos de animación como Pesadilla antes de Navidad.
Selección de carteles de películas dirigidas por Burton. Fuente: El pintor de Estigia
Llegamos a la parte final de nuestra visita con una serie de diapositivas. El apartado Slidershows nos enseña dibujos y pinturas realizadas por el propio Burton. Esta selección se divide en tres colecciones: Cal Arts, que engloba obras de cuando el director tenía 18 años. Blue Girl, colección que nace de un bloc de dibujos de los años 80 y 90. Y por último, Beautifying Burbank, otra selección de siniestros personajes salidos de la mente del director de La Novia Cadáver.
Muestra del humor negro característico de Tim Burton. Little Dead Riding Hood. Bolígrafo y rotulador. 27.9 x 40.6 cm. Perteneciente a colección privada. Fuente: MOMA
Aunque ya ha terminado la exhibición, si sentís nostalgia por saber más de Tim Burton, el paseo virtual nos ofrece un pequeño regalo, la sección Works. Aquí se puede recrear la vista con collages, fotografías, posters de películas, etc. Cada una de las piezas que aparecen en la exhibición es tratada de manera independiente para poder verlas en todo su esplendor.
Burtonlandia cierra sus puertas en el MOMA el 26 de abril. Pero si quieren seguir disfrutando de las obras de este director, nominado en dos ocasiones a los oscar y ganador un Globo de de Oro por su sanguinario musical Sweeney Todd, pueden visitarla de manera virtual a través de la página del museo neoyorquino.
Anuncio elaborado por el MOMA sobre la exposición que ha elaborado del arte de Tim Burton. Fuente: MOMA
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Se abre la pantalla en blanco y negro y vemos, una espiral. ¿Dónde estamos? En un laberinto. Usual icono que aparece en las películas de Tim Burton, desde Eduardo Manostijeras hasta su último estreno, Alicia en el País de las Maravillas. La hélice bicolor nos invita a iniciar un divertido y lunático paseo por el mundo de gótico de Burtonlandia.
Un pequeño muñeco metálico hincha un globo negro, a la velocidad que sus brazos de hojalata se lo permiten. La humareda que crea su explosión da paso al inicio de la exposición virtual que ha elaborado el MOMA de Nueva York sobre el director de cine más extravagante del momento, Tim Burton.
Por si acaso aún no estamos muy ubicados, unas escaleras que terminan en la nada y una música de fondo, que recuerda a los sonidos de una feria destartalada, indican que se va a entrar en un mundo mezcla de fantasía y pesadillas. En donde los monstruos, las calaveras y la muerte harán de guía. Todo ello, con un toque de humor negro característico de este director californiano.
Página de inicio de la exposición virtual sobre Tim Burton. Fuente: MOMALa primera parada es en el apartado Exhibition. Aquí podemos leer una breve biografía del director. Además, se explica los objetivos que Ron Magliozzi, comisario de la exposición, ha tenido al crear esta muestra.
Seguidamente, continuamos el recorrido por Behind The Scenes, en donde miembros del MOMA, como Albert Cuellar, explican a través de cinco videos como se han construido las partes más importantes de la exposición: la recreación de los decorados de Eduardo Manostijeras, una explicación sobre las esculturas que ha elaborado el propio Burton para esta colección o la creación de un globo gigante con la forma de Toxic Boy, personaje de la colección de poemas La melancólica muerte del Chico Ostra.
Este es uno de los videos que aparecen en la sección Behind The Scenes. Fuente: MOMA
Lo que ha hecho famoso a este director es su estética, mezcla entre lo extravagante, la muerte y los monstruos. Este conjunto se une en los personajes y el ambiente de sus películas. Por ello, la siguiente sección que visitamos es Films. En este apartado encontramos una pequeña muestra de objetos y carteles relacionados con películas como Beetlejuice, Batman y proyectos de animación como Pesadilla antes de Navidad.
Selección de carteles de películas dirigidas por Burton. Fuente: El pintor de EstigiaLlegamos a la parte final de nuestra visita con una serie de diapositivas. El apartado Slidershows nos enseña dibujos y pinturas realizadas por el propio Burton. Esta selección se divide en tres colecciones: Cal Arts, que engloba obras de cuando el director tenía 18 años. Blue Girl, colección que nace de un bloc de dibujos de los años 80 y 90. Y por último, Beautifying Burbank, otra selección de siniestros personajes salidos de la mente del director de La Novia Cadáver.
Muestra del humor negro característico de Tim Burton. Little Dead Riding Hood. Bolígrafo y rotulador. 27.9 x 40.6 cm. Perteneciente a colección privada. Fuente: MOMAAunque ya ha terminado la exhibición, si sentís nostalgia por saber más de Tim Burton, el paseo virtual nos ofrece un pequeño regalo, la sección Works. Aquí se puede recrear la vista con collages, fotografías, posters de películas, etc. Cada una de las piezas que aparecen en la exhibición es tratada de manera independiente para poder verlas en todo su esplendor.
Burtonlandia cierra sus puertas en el MOMA el 26 de abril. Pero si quieren seguir disfrutando de las obras de este director, nominado en dos ocasiones a los oscar y ganador un Globo de de Oro por su sanguinario musical Sweeney Todd, pueden visitarla de manera virtual a través de la página del museo neoyorquino.
Anuncio elaborado por el MOMA sobre la exposición que ha elaborado del arte de Tim Burton. Fuente: MOMA
En una actividad enmarcada dentro del XI Certamen Internacional de Cortometrajes ‘Ciudad de Soria’, los especialistas ofrecieron un espectáculo en la plaza Mayor de la capital soriana. El público fue abundante y se situó detrás de la barrera para evitar accidentes. Los más jóvenes trataban de buscar huecos por los que acercarse y ver en persona a los especialistas. Todos lo0s presentes esperaban ver un espectáculo que les dejara con la boca abierta.
Pronto, las esperanzas del público se vieron truncadas. Los especialistas ofrecieron un pequeño teatro en el que los momentos impactantes fueron más bien escasos y los altavoces funcionaban deficientemente. En la historia aparecían caballeros, una bruja y una princesa.
La princesa se veía atacada por los hechizos de la malvada bruja y uno de los caballeros iba a rescatarla. Al principio los especialistas interpretaron sus papeles sin realizar ningún tipo de acción propia de un especialista. Pasado un rato, según avanzaba la obra, se pudo ver una pelea entre dos de los actores con algunos golpes muy llamativos, pero el directo restó magia a la actuación al verse los trucos utilizados por los especialistas.
La obra continuó sin demasiada acción hasta que en los minutos finales llegó el plato fuerte. Uno de los actores acabó en llamas a escasos metros de los espectadores y otro cayó desde un tejado. A pesar de ello, entre el público quedó un sabor agridulce, puesto que se esperaba algo mucho más espectacular de un grupo de especialistas de cine.
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Pronto, las esperanzas del público se vieron truncadas. Los especialistas ofrecieron un pequeño teatro en el que los momentos impactantes fueron más bien escasos y los altavoces funcionaban deficientemente. En la historia aparecían caballeros, una bruja y una princesa.
La princesa se veía atacada por los hechizos de la malvada bruja y uno de los caballeros iba a rescatarla. Al principio los especialistas interpretaron sus papeles sin realizar ningún tipo de acción propia de un especialista. Pasado un rato, según avanzaba la obra, se pudo ver una pelea entre dos de los actores con algunos golpes muy llamativos, pero el directo restó magia a la actuación al verse los trucos utilizados por los especialistas.
La obra continuó sin demasiada acción hasta que en los minutos finales llegó el plato fuerte. Uno de los actores acabó en llamas a escasos metros de los espectadores y otro cayó desde un tejado. A pesar de ello, entre el público quedó un sabor agridulce, puesto que se esperaba algo mucho más espectacular de un grupo de especialistas de cine.
ENTREVISTA A JESÚS ORDOVAS (Escritor y Locutor de Radio)
La movida madrileña fue un movimiento que marco el panorama español sobre todo a nivel cultural. De hecho en la actualidad todavía quedan influencias directas de esta contracultura. En una cafetería de la centrica Plaza de Santa Ana pudimos hablar con Jesús Ordovas, considerado uno de los padres del movimiento, para que nos cuente su visión y la sinfluencias que se han desarrollado en el panorama musical español.
L: ¿Qué significó la movida?
O: La movida fue un revulsivo cultural que no fue solo música. La música es lo que más se recuerda de la movida son los grupos musicales que se formaron entonces como Radio Futura, Alaska y los Pegamoides, Nacha Pop, Siniestro Total, Derribos Arias… Además de esto también había muchas otras manifestaciones culturales como por ejemplo las películas de Almodóvar que es lo que más éxito ha tenido y lo que más se conoce además de la música. Incluso Almodovar hizo música con Mcnamara.
L: ¿Cómo fue la evolución de esos grupos desconocidos?
O: Se fueron formando grupos, fueron tocando, grabando discos, haciendo festivales y sobre todo fueron sonando en la radio. En 1979 se fundó Radio 3 de Radio Nacional y ahí empezamos a hacer programas de radio los que antes los haciamos en emisoras pequeñas de Madrid. Recibíamos a los grupos en Pozuelo y emitíamos sus canciones y así es como se empezó a dar a conocer la movida. Luego aparecieron programas en televisión como el programa de Paloma Chamorro La edad de oro donde ya todo el mundo pudo ver a través de la televisión. La gente no podía ir a sus conciertos por ello pero veía como era Almodóvar, como era Alaska, como era toda la gente y las pintas que tenían con los pelos de colores, de punta, vestidos de negro con imperdibles...
L: ¿Cuál fue el elemento impulsor de la movida?
O: El punk fue el motor de la movida. El lema del punk es “hacer lo que te gusta y que diga la gente lo que quiera” eso es el punk. Y eso es lo que hacía la gente, hacía lo que le daba la gana, llamaba la atención. Esa era la actitud del punk, romper un poco la normalidad lo que es la actitud en la que todo el mundo tiene de ir bien vestido, todos tienen que ser amables, callados… Ellos eran gritones, divertidos y rompían lo que es la manera de ser normal de la gente. Y todo este fue el motor de lo que se vino a llamar la movida.
L: ¿Algún grupo actual queda como heredero de esta rebeldía?
O: De aquello queda queda un poco de espíritu, ahora mismo hay muchos grupos que también siguen un poco esta línea. Algunos grupos como Pereza por ejemplo que es un poco más parecido a lo que sería la movida. Su forma de vestir, de cantar y de tocar es más cercano a la movida. Tienen esa actitud incorregible, los pelos, la manera de hablar... Lo que hay que tener en cuenta es que hay muchos grupos de entonces que aun siguen funcionando. Por ejemplo: los Secretos, Los Hombres G, Alaska...
L: ¿Qué cambio se ha producido en la actualidad en el panorama pop, nos referimos sobre todo a las mezclas entre estilos? Estas mejoran el pop, lo degradan….
O: El término música Pop engloba todos los estilos, engloba: el rock and roll, el pop, la música thecno, el blues… El único cambio que ha habido importante desde los años 80 hasta hoy es que se ha hecho más popular el Hip-hop. El Hip-Hop y el Rap se han hecho muy populares, en los 80 no existían estos estilos o no habían llegado a España todavía. En los 80 prácticamente todos los grupos hacían Thecno, rock o pop normal en el sentido más estricto que es guitarra, bajo, batería y teclado.
L: En la movida la ropa también era muy característica, ¿esto también ha influido en la actualidad?
O: Cada estilo de música se expresaba de una forma con su vestimenta.. Todos estos estilos han evolucionado en la actualidad, pero ya existían en los años 80. Al final todos esos estilos siguen existiendo e incluso los grupos que marcaron estas tendencias siguen tocando como Loquillo con su look Rockabilly o los Góticos siguen más la línea de grupos como La Decima víctima o Paralisis Permanente.
L: La movida madrileña fue un movimiento de los locales nocturnos de Madrid, ¿qué diferencia hay entre aquellos locales y los que todavía quedan abiertos como La Vía Láctea?
O: La movida se fraguo en los locales como el Sol. Era donde quedaba todo el mundo. Prácticamente no hay diferencias. En años no ha habido prácticamente cambios siguen estando los mismos bancos, posters, camareros y el mismo espíritu. Básicamente el ambiente es el mismo lo único que ha cambiado es que es otra generación la que va. Se han juntado las generaciones de los años 80, la de los 90 y la actual.
L: ¿Cómo son las nuevas generaciones de musicos?
O: Hay más grupos que nunca, si antes había 10 grupos ahora hay 10000. Hay mucha gente que lo intenta. Pero una cosa es que lo intentes y otra que lo logres y tengas éxito. Tocar es facil pero hacerlo bien es difícil. Hay mucha gente tocando pero calidad es mas difícil de conseguir, de todas formas donde hay cantidad hay calidad. Lo bueno que hay mucha gente tocando y divirtiendose que es lo importante. Sigue habiendo gente con genio que sale con éxito como por ejemplo Pereza, Amaral, Miki Puig....
La musica evoluciona pero siempre tiene unas bases y unas influencias que se mantienen como bien nos indicaba Jesús, siempre se vuelve a los clásicos, como prueba de ello os dejo el video reeditado en el 2009 de El Hombre de Negro de Loquillo.